¿Canibales o Turistas?

“Cannibal Tours” y Dennis O'Rourke

Dennis O' Rourke filmó el documental “Cannibal Tours” estrenado en 1988, empapándose de la etnografía y el modernismo del propio lugar, logrando así la naturaleza del film.

El documental que sigue a un grupo de turistas Europeos en su viaje por Sepik River en Papua Nueva Guinea, cumpliendo con todas las características del clásico extranjero en tierra ajena, paraíso desconocido y exótico, comprando, observando, fotografiando a estos seres que aparentan estar en exhibición, que roban todo su interés, dejando a la cámara sola, como un espectador de la relación entre los turistas y los nativos de la zona.

Haciendo referencia a la palabra canibalismo en el titulo y a la forma en la que la gente devora a una persona o a varias personas, roban sus pieles y en algunas ocasiones las utilizan. Dennis O Rourke nos muestra a aquellos que mas que turistas son caníbales y a nosotros mismos caníbales de su historia.

¿Canibales o Turistas?

"There is nothing so strange in a strange land, as the stranger who comes to visit it."

Para Dennis O´Rourke  el acto de filmar un documental es la síntesis de la síntesis. Cada escenario, y cada parte de la película evoluciona constantemente  la filmación, la producción, el sonido y sobretodo la propia edición se convierten en el modelo único e irrepetible que transforman a aquellos escenarios y los hacen particulares en pantalla. Los documentales no deben de existir fuera de las realidades que representan , la verdadera magia es que el espectador puede ser capaz de comenzar a crear y a construir sin conocer necesariamente la posición y la perspectiva del director , concentrándose en el momento presente. Cuando uno filma, la razon debe de quedar a un lado, dejando el paso libre a las emociones y sobre todo a la intuición, de hecho es preferible ser irracional , porque cuando uno trata de razonar en la vida en general, la belleza de las ideas tiende a desvanecerse por completo.

A veces la historia es mucho menos importante que las ideas y las emociones que lleva por detrás , David O Rourke presenta su idea, como algo que podría ser verdadero, pero a fin de cuentas es una ilusión, concentrándose en los detalles pequeños que a veces se escapan de la mirada.

“I like to think that, in my films, nothing really happens but it happens very quickly”. 

 

A través de la maravillosa fotografía O´Rourke logra captar estos preciados momentos que asegura, perdería si no fuera por el lente siempre atento de su equipo técnico de trabajo. En algunas ocasiones las sensaciones al filmar eran abrumadoras y hasta el mismo director se paralizaba, perdía detalles que sus cámaras no perdían. Un largo recorrido turístico fue el que el director realizo junto con los mismos personajes a los que siguió, entrando en un viaje de descubrimientos en una tierra desconocida  en donde parte de un lugar al que no piensa regresar, dejando así que la misma experiencia le vaya cambiando su percepción y sus emociones.

“I have been changed. This is why I say: “I don't make the film, the film makes me.”

 

El documental debe de ser claro, y certero pero no de una verdad sino del proceso de llegada  a la verdad que busca. Muchos documentales parecen contar con una sola vertiente, en donde el espectador no es capaz de divagar y construir por si mismo su propio camino y se ve obligado a seguir una plataforma previamente construida por el director, quien no ofrece más que su verdad.

“I reject the whole notion of the  documentary film maker as a culture-hero”.

Las imágenes en el documental son atinadas y más que eso, son cómplices del conflicto pasivo social y el choque entre culturas, amabas realidades, el punto de vista de los turistas como el punto de vista de los grupos nativos, ambos defendidos y más que eso, expuestos en su posición. Es interesante que a pesar de tarar a estos dos grupos tan opuestos, el director logra no tomar un cierto partido, sino presentar la verdad de los actos humanos. Una cultura que se siente invadida, porque la otra la invade. Estamos hablando de un tipo de invasión, aun más corrosivo que las peleas y el sometimiento, una invasión al espacio sagrado, a la esencia, un turista mustio, que navega con bandera de pureza pero que solo roba recuerdos imágenes y momentos irrepetibles de aquellos únicos dueños de estos.

Dennis O´Rourke establece que el verdadero problema del documentalista de hoy, radica en la capacidad de articular al autor con el objetivo y a su vez con la audiencia, es decir el dilema de la representación. Como dice Jean Baudrillard, muchas veces las imágenes tan explícitas, tan reales, tan crudas, en lugar de dar realidad y objetividad a la historia, tienden a contaminar el significado.  En cambio la imagen situada en el papel de representación de la realidad susceptible desde un principio a cambios y presentada honestamente a la mirada como una imagen real alterada, mantiene y dispara el significado a través de la subjetividad de cada quien.

“Cannibal tours” es un documental pero al mismo tiempo una ficción, porque a final de cuentas nunca dejará de ser un artefacto que alguien creo a través de su extracción de la realidad. Un artificio a través del juego con el desastre indiferenciado de la vida para finalmente crear un producto. Visto de esta manera el producto y el espectador se convierten en uno mismo, donde se vincula al grado que puede avergonzarse de sí mismo de sentirse fuera o mejor aun dentro de la historia  o partícipe de esta.

En el caso de los turistas reconocemos su desesperanza de la experiencia misma y vernos a nosotros reflejados en ella, al igual que logramos comprender que los mismos turistas saben que cualquiera que vea la película compartirá este sentimiento desesperanzado con ellos.

 

This is part of what Professor MacCannell wrote:

“It is disheartening that any group of human beings, simply caught in the eye of the camera, could appear to be so awkward and in such bad faith.  It is to O’Rourke’s great credit that he does not simply leave us with these disturbing images.  The film quietly provides answers to the questions it raises, and to do this O’Rourke goes to a psychoanalytical level. Freud does not speak here directly, except perhaps in the final  scene where the Bette Midler-type American woman climbs in the plane brandishing her five realistically carved dildos (“I get to ride back with these in my lap!”). It is the camera, which throughout assumes the role of the old paternal analyst, steady, listening, silent, pretending to be non-judgemental...

“This is what frightened me most about the film. The tourists, throughout, seemed incapable of a conscious detachment from their values, which was so evident a feature of the New Guinean images and discourse. The tourists’ detachment takes the form of repression and denial of the myth of modernity so it necessarily expresses itself always as an out-of-control force leading to non-ritual violence. The New Guineanans do not see this difference between themselves and the Europeans. They rigorously maintain there is no difference with the single exception that the Europeans have the money and they don’t. This film is a reminder that the task of anthropology is far from done - we have yet to explain ourselves.

Los nativos del pueblo, saben que cuando se trata de turistas apreciando su cultura, sus tradiciones y su forma de vida, no llegarán a estar tan cerca del entendimiento sino más de la curiosidad y del morbo que esta situación tan opuesta les provoca. Saben que frente a ellos, son modelos prefectos para las fotografías más extrañas e interesantes, lo que podría ser un acercamiento en donde ambos grupos terminan por ganar, deja a los turistas como predadores en un zoológico y a ellos, los nativos, como los animales en exhibición. Es justamente esta relación la que desemboca en un colonialismo de nuestra época, como a había mencionado anteriormente, el nativo se siente invadido por sus diferencias, por lo tanto lo primero que decidirá cambiar son esos rasgos distintivos adoptando cada vez más la cultura y los ideales extranjeros. Cada vez se aleja más de su identidad original por miedo a ser señalado por esta misma.

Una búsqueda de sentido, que está condenada desde un principio.

One condition of modernity is that nobody knows who they are any more. "CANNIBAL TOURS”, like most of my work, is situated out on what I call the shifting terminus of civilisation; where modern mass-culture grates and pushes against the original, essential aspects of humanity and where much of what passes for 'values' and ‘good taste’ in Western culture is exposed, in stark relief, as banal and fake. People have asked about the film, "Where did you get those amazing characters?” They thought that they were actors. The reality seems too fantastic. Yet they reveal the ignorance and insensitivity that lies under the surface in all of us when we are tourists. But these are not bad people, no worse than you or me, and I am sympathetic to them all.

It might be considered that this is a problem without solution - a problem as profound as ‘original sin’. Tourism forms part of a general framework of unequal North-South relations just as it is a manifestation of the impoverishment of human relations in the post-modern, post- cultural, consumerist world. In order to change this one element of the system one has to first, and the same time, change the whole.

Entre pajaros muertos...

 

Robert Gardner

“Dead birds” es uno de los documentales más controversiales y aclamados de la historia. Filmado en Nueva Guinea desde sus inicios este film estuvo lleno de características extraordinarias hasta el día de su presentación final que contaba con la edición más atinada. La filmación de “Dear birds” exploró los límites del arte y de la creación dentro de un proyecto cinematográfico, sin dejar atrás la representación y el descubrimiento del verdadero significado de las vidas humanas.

El documental sobre los Dani, un grupo de personas que habitan en la parte alta de las montanas de Irian de Oeste, una cultura neolítica clásica, humanos excepcionales que luchan en contra del ambiente y el sistema social en el que se encuentran inmersos. Una situación parecida a la de los eskimales con Flaherty, una vez la presentación de esta cultura ajena, opuesta y desconocida a la nuestra, que dentro de sus barbaries superficiales muestra el sentido humano y el aprecio inigualable a la vida.

Bajo un sistema de ataque y venganza, clanes vecinos de la zona de los Dani, los confrontan constantemente en batallas en las que cada clan busca a través del performance físico, sus cuerpos y sus lanzas intimidar al enemigo en este caso los Dani, por horas enteras, un juego de caminar adelante y hacia atrás, una lucha que terminara por derramar sangre, pero solo de algunos elementos del grupo. Los clanes al igual que ellos no buscan la exterminación por completo del grupo en oposición, sino solo la amenaza y por lo tanto la posición de superioridad frente a ellos.  Flechas y lanzas atraviesan partes de sus cuerpos, sus brazos o sus piernas, de vez en cuando algunas atraviesan el corazón de alguno arrebatándole la vida para siempre. Las peleas terminan, los gruñidos y las garras que sacan regresan a sus casas, ayudando a aquellos que resultaron heridos y cortejando a aquellos que murieron, pero la batalla no cruza sus fronteras más allá de eso. Es como si tentaran a la muerte sin llegar a la masacre por completo, porque exterminar al elemento enemigo por completo implicaria el fin de su sistema de ataque y venganza que ha consolidado su medio social por anos enteros. Sin la guerra no existiria una forma de satisfacer la venganza de los fantasmas que han muerto , una extrana y primitiva forma de mantener la armonia.

Las guerras de los Dani, son una historia sin fin.

“Dead Birds” cuenta con un significado inmediato y alegórico. En el lenguaje de los Dani se refiere a las armas y los ornamentos que se recuperan en batalla, pero en su mismo lenguaje poético se refieren a sí mismos como pájaros , y como pájaros deben de morir.

“It was an attempt to see people from within and to wonder, when the selected fragments of that life were assembled, if they might speak not only of the Dani but also of ourselves.” —

                                                                                  Robert Gardner

Un documental duro y realista, que no tienta las paredes de la realidad sino cruza a través de ellas, con un lenguaje poético en donde Gardner convierte a la cultura en una metáfora entre la ternura y la crueldad no solo de ellos sino de la existencia humana. Adoptar a una cultura tan lejana a nuestra idea de cultura y sociedad y ser capaz de demostrar sus dotes humanos dentro de sus mismas acciones atroces, parecería difícil es mas completamente incongruente, pero un documental mas en donde se nos presenta la misma realidad que la nuestra solo que en un escenario diferente, y nos deja pensando que no somos tan diferentes unos de otros, y que aquellas alabanzas a la muerte, la quema de un niño y la recopilación de su huesos, no es ninguna profanación sino una forma de despedida y de honra a la vida, que por mas ajena y animal que parezca nos remonta a nuestra propia cultura y a nuestras propias manifestaciones.

Me gusta pensar como lo he repetido en varias ocasiones que todos somos capaces de ver hasta en las cosas que más odiamos y más nos repugnan, aquellos destellos de luz que nos recuerdan que todos provenimos de un mismo lugar y que las costumbres no marcan a la gente, lo que las marca son los significados detras de ellas. Ser capaz de encontrar esto y transmitirlo como en el caso de Flaherty o Gardner, no es una capacidad es una virtud en la sensibilidad de entender el sentido de la vida, más allá de la violencia y el odio. Entender que la belleza se encuentra hasta en lo inimaginable, solo hay que saber abrir bien los ojos.

LA OTRA MIRADA......

“Dead Birds” se construye en base a la creación de una ilusión de que existe una narrativa y una historia comprensible detrás de todo esto, que evoluciona de manera natural y cronológica. Aunque uno argumente que el cine requiere esos artificios para su existir ,el hecho es que es falso. Realmente no existe una batalla en particular sino termina por existir gracias a la composición de varias. The major battle sequence in Dead Birds is put together from shots of different battles at different locations''.

Gardner creo y narro monólogos internos para algunos de los personajes principales. Una vez más violando las reglas y experimentando los campos fuera de los márgenes que se le habían impuesto al documental, como muchos otros ya lo empezaban a hacer también.

Robert Gardner fue una figura vital para el documental etnográfico entre los anos de 1950 y 1960, aun así sus reconocimientos públicos, escritos, y sobre todo sus documentales desde lo que fue “Dear Birds” no reflejan ningún conocimiento o interés sobre los conflictos que han preocupado a la antropología desde los años setentas. Gardner a permanecido fiel la errónea idea de que la antropología busca como único la preservación de remanentes auténticos primitivos de culturas que están por desaparecer. Parece irresponsable en su posición, porque en lugar de continuar sobre esta línea intencional que busca desesperadamente el encuentro de la humanidad en estas personas y dirigirlo hacia el aspecto también antropológico, prefiere romantizar por completo la situación de estos extraños tan diferentes a el que le despiertan una oportunidad única de explorar sus cuestionamientos como ser humano, ante la vida ya ante la muerte, el papel de la mujer, y hasta su propia identidad.

Gardner nos seduce a través de su visión artística, pero cuando en verdad lo pensamos, tal vez esto sea más un viaje de confirmación propia del mismo Gardner en donde el supuesto objetivo, la cultura Dani, queda en segundo plano, pasa a ser este detonador de emociones de confirmaciones y de belleza dentro de la propia rutina primitiva de vida, el propio instinto llevado al máximo sentido de belleza y de confirmación, que tal vez no lo sea.

Dejando así el factor de estudio, etnográfico y antropológico a un lado, los Dani a través de la búsqueda entrañable de Gardner, pero realmente son los Dani a los que nos identificamos?

Tal vez no....

Flaherty con Nanook

“Nanook of the north”

Robert Faherty famoso explorador que poco a poco se fue transformando en director de peliculas y documentales es el creador unico y original de la pelicula “Nanook of the north”, que fue estrenada en 1922. Calificada por varios cineastas de la epoca y de todas las epocas como el primer documental de duración larga, como la de una pelicula. El género comenzaba a transformarse y Flaherty toma las riendas de ua nueva idologia, en donde no existe el limite tematico ni temporal para su documetal, sino un sin fin de posibilidades y experiencias a traves de la realidad y la manipulacion de esta, otorgandole asi una fuerza que aun se refleja en el trabajo de los creadores de estos dias.

El repetido contacto de Flaherty con los nativos de la zona su interaccion no solo como espectador sino como un miembro aceptado por esta misma cultura, dieron un impulso gratificante al documental y la evidencia etnografico. Existia un sin fin de posibilidades a estudiar y a contemplar, detras de estos pueblos con vidas tan distintas pero en los que aun asi brillaba la calidad humana. Comenzó haciendo excursiones con mapa en mano, al lado de su padre, en donde ya se veía una relación especial con el ambiente y la situación a partir de sus previos trabajos como cartógrafo.

The North is a place of "Long nights--the wail of the wind--snow smoking fields of sea and plain--the brass ball of sun a mockery in the sky..."

Con leves paneos y movimientos de camara Flaherty , se dejo llevar por el mismo movimiento que la naturaleza por si sola otorga , movimentos del bote en el mar, un montonde esquimales tratando de levantar a un foca que a prensado un pedazo de pescado por debajo del hielo. La vida cotidiana, y su misma naturaleza en su maximo esplendor. Las virtudes de un lugar en donde predomina la esencia de la vida sin ningún cambio, la lucha constante del hombre por el verdadero sobrevivir en el lugar donde le ha tocado aprender a existir. Toma tras toma, se van revelando las amenazas y los filos de la dureza y la adversidad de un ambiente tan hostil como este.

Flaherty a pesar de llevar todo en su contra, muestra poco a poco a los personajes, su desenvolvimiento y mas que eso, su pasion y goce por la vida que les toco vivir. Nunca como un castigo ni como una realidad a la cual mirar hacia abajo, sino en sentido opuesto, potencializando las enumerables cualidades de los heroes que habitan ese lugar y de las familias que protegen de situaciones que los ponen entre la vida y la muerte.

Nanookk: "fearless, lovable, happy-go-lucky Eskimo,"

Flaherty adopta un estilo lejos de lo civilizado, apegado y justificado al sistema que intenta presentar, transportando al espectador directamente hacia la acción el pescar con las manos y deshacer la piel de un animal aun vivo con los dientes, se transforman en una sensación tan real que pasan del arte de la necesidad al arte de lo visual y sobre todo al entendimiento de estos personajes no como caníbales y salvajes cino como sobrevivientes excepcionales de un ambiente tan áspero como este.

La cámara vincula con ellos, y en repetidas ocasiones hasta nos hace reir, genera completa empatía con Nanook y con todos los miembros de su familia. Las actividades que realizan dejan de parecernos tan ajenas, nos parecen aun tan privadas y tan sagradas como a nosotros, la protección y la defensa entre ellos mismos nos remonta nuestros propios instintos a pesar de vivir en mundos paralelos.

Este documental cuenta con un sin fin de momentos sagrados que reflejan un modo de existir en una realidad desconocida para el espectador, pero aun mas valioso que eso, muestran la relación que existe entre un explorador ajenos a una sociedad en la que aparentemente encuentra su lugar, dejando de ser espectador y convirtiéndose en cómplice. Flaherty no aparece en el film cazando morsas junto a Nanook y a los lobos, pero aparece dentro de los territorios más preciados y secretos de una familia que está acostumbrada a solo ver las caras de los que son iguales a ellos mismos. Aun mejor que esto, es tal el vínculo, la confianza pura establecida entre ambos, que Flaherty logra recrear momentos, no recreables, logra hacer comprender a la estrella del documental, lo que implican sus acciones y la belleza del resultado de estas en la cámara.

Existe un momento especial en el documental cuando Nanook hace contacto visual con la cámara por un momento. Una mirada que expresa mas de mil pensamientos, un lazo estrecho entre actor director, en donde uno es cómplice del otro, y a pesar de saber que existe una línea entre ambos que nunca dejara de existir, esta es respetada como la ley de la vida tanto por Nanook como por Flaherty quien conoce los limites de las bondades de sus buenos amigos y a pesar de estar cerca, nunca traspasa las fronteras de la privacidad.

A pesar del rotundo éxito del film, en donde por primera vez se presento un mundo nunca antes visto tan real como la pantalla lo permite ser, fue seriamente criticado por la mayoría de escenas puestas intencionalmente para la filmación del documental, alteraciones de la realidad que violaban las reglas documentalistas de aquella época en donde todo lo filmado tenía que ser cien por ciento real, sin ser intervenido.

"A filmmaker must often distort a thing to catch its true spirit".

                                                                                  Flaherty

Escenas dentro del igloo, no pudieron a ver sido filmadas en el lugar real, debido a problemas de iluminación y aun mas por escasez de espacio, pues no olvidemos que el equipo de aquella época era aun mas estorboso y difícil de mover, sobretodo en condiciones adversas como esas.

A pesar de ser discriminado por su alteración a las bases del lenguaje real del documental, nunca dejo de defender su trabajo, un pionero con ideas revolucionarias que cambiarían la dialéctica y método del documental años después, por desgracia de ellos mismos los verdaderamente revolucionados son incomprendidos por aquellos de su propia época, un trabajo diferente que hizo brincar los críticos de la época, para 1989 quedo dentro de las 25 películas seleccionadas para ser preservadas por el United States National Film Registry.

La importancia de Robert Flaherty no se puede medir con definiciones actuales. El término documental fue utilizado por primera vez por Johan Grierson en relación a Moana, y todavía en nuestros días esa relación a afectado la posición de Flaherty no solo como explorador sino como creador pionero. El no fue el único ni el primero en buscar culturas y ambientes exóticos, tampoco fue el primero en ganar popularidad en el género del "viajero explorador" , pero su manera genial de filmar y de contar la historia a través de sus legendarios ojos, le han conseguido un lugar indiscutible como cineasta. Tomas nunca antes vistas, seguidas por una hábil edición, que hace parecer todas las piezas como una sola.

Jean Rouch

Jean Rouch

Considerado uno de los fundadores del "cinema verite" en Francia e  influenciado por varios artistas estadounidenses Rouch se caracterizó por su mirada antropológica,  un ojo profundo que observaba en los lugares más recónditos de un África sumergida en el pasado.

Influenciado por el surrealismo, la mayoría de sus películas navegan entre los mares de la ficción y del documental, una forma original e innovadora en donde no recaemos de lleno en el individuo sino en la etnicidad que lo caracteriza.

"In charge of research for the Museum of man ...Is there a better definition for a filmmaker?"

                                                                      Jean Luc- Godard sobre Jean Rouch

"Glory to he who brings dispute".

                                                                      Jean Rouch

Amante de la controversia y la información que provoca descontrol Rouch es considerado el padre del cine Nigeriano. A pesar de haber llegado como un colonizador en el año de 1941, decidió permanecer en Nigeria convirtiéndose en un gran defensor de la desamparada comunidad Africana, impartiendo sus dotes de cineasta a muchos artistas originarios de la zona. Rouch se convirtió en el mentor de muchos. Damouré Zika y Oumarou Ganda entre los más conocidos.

Las etnias de Zarma y Songhai seducieron la mirada de Rouch, quien comenzó a filmar las fiestas y los rituales de la gente de la zona. Años después entró en contacto con Damoure Zika con quien estableció un fuerte lazo de amistad  a partir de los cincuentas y comenzó a utilizarlo como el protagonista, punto principal de todos sus documentales. La cultura, las tradiciones, los colores y los olores de la gente de Niger River Valley. La primera de las 150 películas en las que apareció bajo las direcciones de Rouch se llamo " Bataille sur le grand fleuve", que refleja la vida de los pescadores en Sorko.

Poco tiempo después, a través del silencio y la contemplación, Rouch filmó “Jaguar" en donde Zika interpretó a un hombre joven quien iba en busca de trabajo en la costa dorada en Africa; qué mejor forma de recuperar la realidad y la esencia de un continente como este, sino es a través de aquellos que nacieron en él. Justamente por esto tambien se le permitio a Zika que se adentrara en el proyecto, no solo como objeto protagónico, sino también como creador, ayudando a Rouch a reeditar la película que radicó por varios años en la fórmula del silencio para después tener voz a través de diálogos y comentarios, de nuestro personaje principal.

“Jaguar” contrasta al campo con la ciudad, lo primitivo con lo avanzado. África un continente que parece haber encallado en el pasado, cuenta con un sin fin de realidades opuestas unas a las otras, haciendo cada vez más evidentes las diferencias y el avance que existe para algunos, pero por desgracia no para todos. El poder rigiendo una vez más el tipo de vida que tendrá la gente, hasta dónde llegarán sus expectativas y sus metas, hasta dónde se llegará la cubeta de agua para poder sobrevivir la semana. La narrativa de la película se improvisó entre Rouch y los tres jóvenes a quienes acompañamos durante todo el recorrido. Diálogos, música y conversaciones fueron añadidos en postproducción como ya había mencionado anteriormente. Nunca existió un equipo de sonido que sincronizara la imagen con el audio durante la filmación. A veces el silencio, permite a la imagen y a las acciones tomar su propio rumbo sin a ver tenido que firmar su propio destino.

"Jaguar" llena de cortes y montajes, llena de elasticidad en su estética y en su historia, nos hacen entender aun mejor, la situación por la que van atravesando los tres personajes, quienes no cuentan con un destino claro, caminan y buscan, las búsquedas siempre vienen llenas de una sensación de satisfacción pero al mismo tiempo de adrenalina, porque no existe la certeza sino hasta el mero final.

La agilidad mental y emocional que les permite reinventarse y reajustarse formando un resultado convirtiéndose en cómplices de sus propias experiencias. Una película que finalmente habla y analiza detalladamente el contenido de la persona, el contenido humano.

“Los maestros locos”, una ceremonia, una cultura distinta, una forma de manifestar, un método de expresión, una llamada de auxilio, una sociedad poseída ,una sociedad están cada en la ignorancia o tal vez una visión distinta al enojo, al dolor y al sufrimiento.

 Seria dificil elegir alguna de las posibilidades anteriores para siquiera poder empezar a hablar de semejante documental lleno de poder y violencia lleno de realidad que termina por provocar rechazo en el espectador. A pesar de que vienen a mi mente, todas estas ideas que me fueron acompañando con cada cuadro, cada toma , cada sonido que se presentaba en el documental, este desagrado y contrariedad ante las imágenes, no justifican mi posición, así como Rouch tampoco trata de justificar la suya, solo la expresa. Entonces a fin de cuentas quienes somos nosotros para juzgar? Es importante dejar la ingenuidad y los prejuicios atrás y tratar de entender el fenómeno detrás del monstruo, sin tapar nuestros ojos por no querer ver la fealdad de su cara.

"The Hauka" asi se le llama al acto religioso, el "rito" que se le encomendó a Rouch para ser filmado, y por siempre conservado en la memoria de la pantalla. En una especie de granja a horas de la ciudad, los Hauka comienzan a entrar en trance hasta quedar completamente poseidos por personajes relacionados con el poder colonial, durante la Primera Guerra Mundial, parte de la ofensiva Alemana que invadieron parte del Oeste del continente Africano. El gobernador general, la esposa del doctor, el ingeniero, entre muchos otros serán los nuevos protagonistas de este documental, que a través de una serie de ritos sangrientos, nos llevarán a un viaje confuso, pero más que eso aterrorizante.

"Los maestros locos" un mensaje tan poderoso que hasta es desagradable, imágenes de hombres poniendo su ojos en blanco, moviéndose con gran dificultad y rudeza, diciendo palabras incoherentes de un idioma Hauka inventado con una boca que no deja de babear, como si una víbora los hubiese atacado. Se queman con antorchas, el dolor como una especie de confirmación al rito y a sus acciones. Ninguna de estas escenas es falsa, las ceremonias de los Hauka no son actuadas sino pura realidad.

La muerte de un perro, para después ponerlo al fuego y comerlo en un acto que junta la rabia y la impotencia, que demuestra el descontento de una sociedad reprimida de la forma más desagradable y más atroz. Con cámara en mano, dejando el tripie y los equipos ostentosos y pesados atrás, Rouch finalmente y a pesar de toda la carga violenta y grotesca en su película, nos deja ver aquel humano detrás del animal, que se convierte para después regresar a sí mismo,  que se prende fuego, pero no se prende fuego, que se llena de sangre de perro en un acto desesperado por defender su pasado y sentir que no solo aquellos colonizadores eran los únicos capaces de infundir miedo a los ojos del espectador.

Después de la independencia de Ghana en 1957, la migración fue controlada y varios Hauka que residían en Accra regresaron a Nigeria, viéndose los Hauka absorbidos por el nuevo sistema religioso.

Rouch al terminar de filmar la película afirmo que los eventos capturados por su cámara representan el fin del desarrollo Hauka. Hoy en día es proyectada en varias aldeas de Ghana y en el centro cultural de Nigeria.

Jean Rouch fue espectador y fue creador de un trance a su vez, en el momento que proyectaba el documental a los mismos protagonistas de esta, que al verse reflejados en pantalla, volvían a sentir esta fuerza que se apoderaba de ellos y los poseía perdiendo el control. Este viaje en el que nosotros también nos podemos ver poseídos, nos invita a conocer y a ver aquellas cosas que no nos gustan ver, es desagradable porque es real, y muchas veces la realidad en dosis extremas duele más de lo que uno se imagina.

Una crítica pero un reflejo de la sociedad con el que podremos nunca estar de acuerdo  ritos que nos parecen tan ajenos a nuestras costumbres que hasta nos ofenden, sería interesante preguntarle a  Damouré Zika antes de haber conocido a Rouch, que opinaría de un concierto de Los Rolling Stones en que la gente se droga y se violenta y parece estar poseída....Por eso es que a pesar del rechazo que me provoca, nadie está en la posición de juzgar.

 

en.wikipedia.org/wiki/Les_Maîtres_Fous

fr.wikipedia.org/wiki/Jean_Rouch

www.maitres-fous.net/

ww.oppapers.com/essays/Flim...Jaguar-Jean-Rouch

fr.wikipedia.org/wiki/Jaguar

Reinterpretando a Vertov

Un vistazo a Farocki

Harun Farocki

Sus orígenes están en la República Checa pero  Harun Farocki nació en Alemania en 1944 y cuenta con una larga trayectoria de más de 90 películas; su fuerte han sido los documentales con tendencias hacia lo experimental.

Imágenes de Prisión es un documental compuesto por escenas de diferentes momentos y lugares en cárceles y representa una forma interesante de abordar las nuevas formas de control que existen en la sociedad.

Tanto en el documental como en la ficción el tema de las prisiones y la vida dentro de ellas siempre ha sido atractivo en la cinematografía mundial. El cambio que ha existido en las cárceles y los métodos de control y reinserción social han cambiado radicalmente. Cuando en años pasados, la fuerza de la mano de obra era la fuente primordial de control, ahora la tecnología ha evolucionado, al grado que dos policías al mando de cámaras y sistemas de seguridad pueden cuidar a más de cientos de reos. Me encantaría pensar que los actos de tortura fueron situaciones que se dieron en el pasado para imponer el control, pero por desgracia existen muchos reclusorios y prisiones que siguen utilizando estos métodos.

 

                                             Imagenes de prision

Las imágenes del documental son monótonas en su gran mayoría, no todos los castigos en la cárcel consisten en la explotación, sino también en la carencia de actividad, el ocio y la rutina de la vida diaria. Se presentan secuencias de clips de Bresson en donde la prisión aparece como algo completamente distinto, lugares  en donde los presos se ven forzados a forjarse como personas y como trabajadores. El personaje principal hasta llega tener la astucia para convertir una cuchara en un elemento que lo puede ayudar a escapar. Una imagen completamente diferente de la cárcel era la que mostraban las películas de los tiempos deBresson, una visión un poco más positiva e ingenua, aunque tal vez las posibilidades de escapar de una prisión de aquella época eran mayores que en la actualidad. La vida en del encierro y el aislamiento eran castigos suficientes para torturar la mente y no permitirle recuperarse nunca.

Hoy en día existen más de mil ojos que vigilan cada una de las celdas cada minuto de cada día; el excesivo manejo del control, un abuso del poder absoluto, que registra la vida de los presos tal y como es. Tal vez si en la época de Bresson y los cineastas contemporáneos suyos hubiesen existido cámaras de seguridad, la perspectiva hubiese sido muy diferente, se hubiera comprendido, al lugar como un lugar real.

En el cine de Farocki las imágenes no solo existen como objetos entre otros objetos manufacturados, todo tiene una razón de ser. Las imágenes se ven a través de los ojos o la perspectiva de alguien además creadas para los ojos de alguien más como sucede en el caso de los videos grabados por cámaras de seguridad cuyo objetivo es tener control de los presos.

Farocki entra dentro de la dimensión política donde navega por el mundo de las máquinas y la relación de estas con los seres humanos; los registros creados por el hombre para tener control de sí mismo. El juego constante entre máquina y hombre y la delgada diferencia que rompe entre estos dos. A fin de cuentas la forma de ver en los dos casos cubre el mismo objetivo que es controlar, reconocer y perseguir. Abarca una vez más esta mirada crítica en donde las estrellas serán las imágenes high tech de bombas inteligentes utilizadas durante la Guerra del Golfo Pérsico.

La visión de la bomba, aquel acto de pura violencia y destrucción que es lanzar una bomba, parece ahora tan atractivo y seductor como un videojuego. La mismísima muerte disfrazada de gráficas y colores en donde el ruido del daño y la agresión ni siquiera se escucha ni resuena.

Exceso de poder, la desesperada búsqueda por el control y el orden, por la simplificación del trabajo y el alejamiento de nuestros propios errores, nos han llevado a la completa enajenación de nuestros propios actos. Un supuesto dominio que mueve las acciones más atroces con los botones de un simple control remoto.

 

                                       World and the Inscription of War (1989) 

 

 

Sans Soleil

                                  Chris Marker 

Sans Soleil

Basado en la ficción este documental cruza las barreras de la imaginación desde los primeros minutos.

Las apariencias engañan, dice Chris Marker.  Las apariencian engañan y se ponen en duda enSans Soleil.

Chris Marker, quien abrió paso a un cine de grandes como Godard y Rohmer, ubica su poder principalmente en el montaje de películas llenas de imágenes que se complementan unas a las otras, una recopilación de ideas que forman una unidad pero a la vez se valen por sí mismas.

Sans Soleil es un documental aparentemente pretencioso que poco a poco va a revelando su verdadera identidad, cuando al pasar de las imágenes todo parece empezar a atener coherencia. Las historias y experiencias de Sandor Krasnaa a través de las cartas que escribe a esta mujer  y por las que también se empieza a desdoblar la historia. Muchas veces creemos las cosas tal cual las escuchamos, la realidad tal y como es, pero esa misma tuvo que haber pasado por varios sujetos antes de llegar a nosotros, si es que no estuvimos presentes en el lugar del acontecimiento en sí.  Regresando a la narrativa del documental, solo pido consideremos que esta historia, estos viajes de Krasna por el mundo nos han llegado a través de él y no solo eso, a través de sus letras, de las cartas que redactó y que serán interpretadas por otro personaje, con otra mentalidad, otra percepción, una forma diferente de absorber las cosas, en pocas palabras otra subjetividad.

A partir de este momento ella se convierte en la narradora, una voz relatadora, que da ritmo al documental describiendo y acompañando cada toma.

La relación de las imágenes es inexistente. Krasna es claro desde un principio, sus imágenes no conllevan ningún sentimiento que se trate de reflejar a la audiencia. Una crítica al contenido, y más que eso a la falta de contenido, es cuando la pantalla se pone en negros, sabemos que no hay imagen, pero hay un hecho seguro de que estamos viendo la pantalla en negros. Una confirmación, una congruencia, entre significado e imagen.

La primera parte, una recopilación de memorias visuales, examinando el valor de cada memoria y la habilidad de estas para poder examinar las apariencias y así poder escribir una historia. Marker crea a este personaje invisible, una forma de expresar la manera en la que almacenamos el pasado, como una presencia, un personaje que no se puede ver ni tocar pero que aún así habla por sí mismo.

Cuando Krasna ve el paisaje islandés formado por la erupción de un volcán, lo imagina como la escena de la película de ciencia ficción que el va a crear, la película sin sol, una vez más jugando con la percepción y la manera de ver las cosas, todo dentro de su propia subjetividad.

Un camino interminable depara, el revelar todos los secretos de un documentalista tan complejo como Chris Marker, un maestro en la edición con extrañas conexiones entre sus imágenes. La forma en la que utiliza la cámara como una forma de registro a veces inactiva, simplemente contemplando lo que se tiene enfrente, mientras que en otras ocasiones la convierte en el detonador de la acción, retando al personaje a regresar la mirada, una forma inteligente de llevar situaciones al extremo de la provocación.

Sans Soleil termina prácticamente donde comienza, con los hijos de Krasna. Pero ahora la imagen tiene un significado completamente diferente, acabando con el cliché y formando una tregua entre el cineasta y la audiencia.

Marker al igual que Godard vive una constante preocupación por el verdadero significado de la imagen, pero donde Godard llena esas imágenes con significado tanto visual como espiritual, las imágenes de Marker se quitan la ropa y cualquier rastro de su autoría se va también con ellas hasta quedar completamente desnudas.

Pero por favor no nos confundamos. Marker, no busca la ausencia del significado como tal, sino que esta carencia de significado se convierte en lo que da significado a la imagen, la estructura de todo el proyecto. Dando un paso atrás como espectador y analizando las bases que se nos presentan, podemos darnos cuenta que el director no buscó crear, sino arreglar y ordenar los remanentes de su pasado con las herramientas que tiene en el presente.

¿Un trabajo pretencioso? Ahora pienso todo lo contrario. En mi punto de vista en Sans Soleil  existe todo menos la pretensión;   es justamente esta constante ausencia no solo en significado sino hasta en un orden y un discurso claro y llamativo, que convierte al documental en una presentación conceptual que termina por marearnos, en donde la primera vez será difícil de entender. Sentiremos que existe un gran vacío hasta que logremos comprender que es justamente este vacío donde radica la belleza del trabajo y su originalidad.

Me declaro incompetente ante una mente de semejantes dimensiones y me atrevería a decir que la particularidad máxima de este gran documentalista, radica en su capacidad de trabajar al revés, para Marker, menos se convierte en más. A fin de cuentas el cine termina por ser el medio, la extensión de nuestros cuestionamientos y deseos por expresar. Marker reta al mismo medio que usa, el cine, dudando de su capacidad y poniendo a la imagen a prueba, empuja al espectador a dudar y a pensar que no siempre lo que se ve es lo que realmente es. Marker toma la cámara y la convierte a su manera, la imagen, el sonido, la música,  todos atendiendo las ordenes de un director, que expone sus experiencias más íntimas en pantalla, tras un sin fin de trasfondo y contradicciones que nos tomarán más de una vez lograr comprender.

Referencia.wikipedia.org/wiki/Sans_Soleil

www.imdb.com

www.criterion.com/boxsets

www.reverseshot.com

sebald.files.wordpress.com