Gimme shelter

“Gimme shelter”

En Diciembre de 1969, cuatro meses después de Woodstock, The Rolling Stones and Jefferson Airplane, dieron un concierto gratuito en el Norte de California, este de Oakland en Almont Speedway. Alrededor de 300,00 personas asistieron llenos de euforia , en espera de algo parecido a lo que se había vivido en el concierto anterior, desinteresados por los peligros de las masas , ansiosos por ver a la banda del momento.

Los organizadores del evento, tratándose de un concierto abierto a la entrada de cualquier tipo de persona, llamaron al grupo de Hell Angels para que tomaran el bando en cuestión de seguridad y control dentro del concierto y sobre todo para la protección de la banda. Pensar que tratar a un conjunto de personas en masa es como lidiar con animales salvajes no me parece tan lejanos de la realidad, pero colocar animales para que vigilen a otros animales, fue lo que convirtió esta noche en una terrible pesadilla, que a pesar de haber quedado registrada por las cámaras, estoy segura que hasta la fecha atormenta a los miembros de una de las bandas estrella más importantes y más famosas del mundo.

Armados con pistolas y palos  "Los ángeles del infierno" pasaron la mayoría del concierto golpeando gente con sus enormes palos a la menor provocación, los clásicos empujones de conciertos en donde realmente nadie es el responsable, terminaban en terribles heridas en la frente o golpes en la espalda, mujeres y hombres, parecía que para estos ángeles no importaba quien, todos debían de ser castigados.

Pero la violencia alcanzo su máximo cuando un hombre que se encontraba en el público, que había sido empujado por esta gran masa sin control, se vio involucrado en una pelea con uno de los “ángeles”, el cual no dudo en sacar su cuchillo y clavarlo en el cuello de este hombre hasta matarlo; todo esto con una voz temerosa pero aun esperanzada de un Mick Jagger que trataba desesperadamente calmar las aguas.

Con cientos de tomas recopiladas, atrás y adelante de la realidad que sumergía a estas estrellas, David y Albert Maysels, nos transportan a los hechos ocurridos durante el concierto de Almont Speedway, en donde la conmoción, la euforia y la desesperación terminaron por trastornar a una audiencia y a quienes parecían estar en control de ella. Lo que aparentaba ser un día para cantar "She´s like a rainbow" y " Let´s spend the night together" terminó en una terrible tragedia en donde varios salieron heridos y por lo menos uno,  muerto.

Escenas del concierto detrás del escenario, afuera de las campers de Mick Jagger y del resto de los integrantes del grupo, van construyendo poco a poco la situación que en algún momento es evidente comienza a correr por el camino incorrecto. Viajamos un año después a la sala de edición en donde la banda esta presenciando por primera vez lo que sucedía mientras ellos batallaban por continuar con el show, y tranquilizar a los fans.

  

  

   Cuando apenas comenzaba...

Después de un largo día de expectativa en donde cientos de personas encontraron un lugar plano en el piso, en donde poderse sentar, o aquellos que prefirieron permanecer parados por la emoción, finalmente suben The Rolling Stones al escenario, en una tarde que está a punto de dejarse ganar por la noche, se escuchan los primeros guitarrazos de Keith Richards con "Jumpin Jack Flash" los gritos del público comienzan, dejándonos sentir la fuerza y el poder que poseen, estoy segura que hasta los mismos Rolling se pusieron nerviosos. Tras un repertorio turbulento, en donde debían interrumpir constantemente las canciones debido a la violencia, los gritos y las quejas del público, llegamos a "Sympathy for the Devil" en donde la situación ya es casi insostenible, Mick Jagger y el resto de los integrantes , paran de tocar para hablar directamente a la gente que ya está completamente fuera de control, en un terreno en donde "Los Angeles del diablo” también hacen de las suyas.

For me, the part of the film that best exemplifies where things went wrong is a brief exchange between a few members of the Grateful Dead. In a scene that could be straight out of a R. Crumb strip, Jerry Garcia is offstage talking with another person about the violence transpiring in front of the stage. Weir rushes over with a brief report. Garcia's response is a stoner cliche: "Oh, bummer." To which Weir adds that Hell's Angel's beating up musicians "doesn't seem right." Garcia, Weir, and other San Francisco musicians and key figures like Janis Joplin and Ken Kesey lionized the Angels, hanging out with them, granting them special areas near the stage at concerts, and, as Echols observes, defending them as fellow outlaws. Garcia and Weir's ingenuousness is understandable given the context, but irresponsible and downright stupid in hindsight.

La tensión continúa creciendo pero no es hasta "Under my thumb" que un muchacho de 18 años, saca su revólver de la bolsa, a tan solo unos metros del escenario, e instantáneamente es apuñalado en el cuello por Alan Passaro, uno de los “Angels”, quien no pensó en quitar el arma de las manos del joven, sino directamente se le lanzo con un cuchillo que horas después termino por quitarle la vida. En muchas ocasiones, se especulo que el joven apuntaba al escenario en donde tocaban The Rolling Stones, una buena forma de encontrar justificación en un acto de pura violencia y descontrol, pero tras varios días en la sala de edición e material pudo ser analizado con detenimiento.

                           

En constantes ocasiones como había mencionado anteriormente, viajamos tiempo después, a ver la reacción de la banda ante el material de su película, que ahora dejaba de ser tan solo un documental de buen concierto, sino la evidencia pura de un asesinato, que ellos no habían provocado pero no habían podido hacer nada para evitarlo.

La toma del momento preciso es poco clara, sumamente obscura y el movimiento de tanta gente hace que confundamos la acción, pero tras varias vistas en cámara lenta, las cosas comienzan a tomar sentido. Minutos antes uno de los hombres más drogados del concierto aparece a menos de un metro del vocalista de la banda y nadie se da cuenta, lo cual indica que la seguridad se les había salido de las manos mucho tiempo antes, Mick Jagger continua cantando, con una voz un poco temblorosa, pero consistente, sabe que si deja de cantar y los demás dejan de tocar, la situación podría agudizarse aun mas y se desataria un caos, en donde la vida de muchos incluyendo la de ellos peligraría.

Tiempo después  la cámara que se encuentra detrás del escenario manejada por Baird Bryant se convierte en el ojo espía de este gran desastre, al lado derecho , la banda, luchando por continuar, y al lado izquierdo al fondo, un grupo de personas empujándose unas contra otras, “Los Ángeles del Diablo” liberados como leones, devorando a su presa y de pronto aparece el revolver, que apunta al escenario. Tan solo unos segundos, pero lo que es claro, es que muy probablemente el joven no trataba de disparar a uno de sus ídolos de la musica, sino apuntaba a uno de los ángeles que estaba junto al escenario y que había sido visto en varia ocasiones golpeando gente, hombres y mujeres sin importar la edad. Es justo en este momento donde la película alcanza el punto más alto en tensión y en conflicto, catarsis perfecta que transforma a los personajes, unos Stones que pierden el control de su propia música, se congelan por momentos en un terreno en donde ya ni saben que ven, unos ángeles del infierno que pierden el control y adoptan la violencia más perfecta.

Apuesto a que ninguno de los creadores de esta película, o  hasta los mismos Rolling Stones, pudieron creer que lejos de ser el registro de uno de sus mejores conciertos, se convertiría en la evidencia necesaria , no solo para descubrir al culpable de la muerte de uno de los asistentes, sino la demostración de que las personas en masa como todo en la vida a nivel masivo, son fuerzas tan poderosas que requieren de una vigilancia, superior a la que alguna vez llegaron a imaginar en Woodstock o el concierto de Almont. No olvidemos que el factor de que sea gratuito, permitió la entrada a cualquier tipo de persona que podía traer la droga que quisiera, ingerirla si quería, y al parecer cualquier tipo de arma, si ahora repetimos esta situación 300,000 veces nos sorprende que las cosas no hayan resultado mucho peor y que Los Rolling Stones a sus setenta años sigan completos para el deleite de todos.

                     

 "Nature does not create works of art. We, with our peculiar ability to interpret the human brain, are the ones who see art." Man Ray

                  

Catherine Deneuve

                  

Greta Garbo, by Edward Steichen

                   

Marilyn Monroe, by Richard Avedon

                   

Kiss, by Man Ray

                   

Nude, by Edward Weston

Edward Steichen

                            

                             

                         

 Richard Avedon

                         

                                        

                                                                  

                           

                                 

                                                          

                                     

Reassamblage

“Reassamblage” de Trinh T. Minh Ha

A través de los ojos de una mujer,  una mirada lejana de los estereotipos y la discriminación a la vida de las mujeres en la zona rural de Senegal. Una perspectiva etnográfica que no busca cazar los rasgos distintivos de las tradiciones y de la cultura, sino el papel del sexo femenino en sociedad fuera de su lugar como ama de casa y del limitado papel que la sociedad le ha concedido.

Por primera vez, nos centramos en el objetivo como tal, viendo una imagen de la mujer nunca antes vista. Trinh T. Minh Ha pensó en lo que no se ve, en lo que no sabemos ver. Generalmente en un documental situado en una sociedad etnográfica en donde los roles están perfectamente bien limitados, buscamos toparnos con las realidades que se repiten una y otra vez en varios documentales, una sociedad machista, también primitiva que mantiene un régimen estricto implementado por anos enteros que ha mantenido la armonía de sus habitantes, pero en donde cada persona realmente no es libre , sino mas bien se apega a una estructura que facilita la convivencia en general, una fórmula que ha funcionado para ellos por anos enteros.

Pero a pesar de esta gran barrera a destruir , en donde vamos predispuestos al escenario que se nos va a presentar, Minh Ha, da un giro a la historia, toma a su personaje central, la mujer y la coloca dentro de su misma sociedad en un plano de libertad de apertura en donde por primera vez será capaz de manifestarse no bajo la personalidad que el mundo cree que tiene y las pocas cualidades que se le atribuyen , sino como ser inconfundible y vital de la vida y la existencia de su sociedad. La separa del hombre que la hace ver, como sombra de sí mismo, la coloca no como pareja sino como individuo Logra ser vista y reconocida desde el mismo nivel de donde se mira a su sexo opuesto.

La mujer no solo es madre, sino que vive para querer cuidar y educar a sus hijos. Papel bastante desprestigiado por el hombre aquí y en China, no es un deber sino un privilegio de la vida, construido solo para ella.

La mujer no solo es ama de casa, sino mantiene el orden, armonía, la estabilidad dentro de las actividades cotidianas que el hombre cree controlar con su fuerza y su irracionalidad, convirtiéndose en un único héroe de esta historia, me encantaría pensar lo que harían sin su mujer al lado. La mujer no solo es el elemento fundamental de ejemplo, identidad y moral en la vida de sus hijos, sino también la gran influencia que determinara el existir de una descendencia digna que busca la preservación de su grupo. Ese hombre cazador, señor de su Tierra, hombre de toda palabra, fue algún día hijo de una madre a quien debe mucho más de las cualidades y valores que cree.

La mujer no solo es objeto de sexualidad, sino el elemento vital a nivel físico para la existencia de la raza humana, la única capaz de dar vida a sus sucesores. La mujer no es solo mediadora, sino inteligencia sensible que trae las ideas más fantasiosas o peligrosas de otros al piso, otorgando a las palabras la capacidad de poder convertirse en realidad, actos verídicos y visibles que no solo quedan en ideas que navegan para luego desvanecer.

 

Me gusta este documental, me intriga y me enorgullece. Entender el papel femenino en un ambiente tan difícil, tan conservador y mejor aun poder desenterrarlo y eliminar el juicio en el espectador llevándolo solo y únicamente por ese camino, alejándolo de ver las cosas burdas, que se nos han planteado como verdades únicas, me parece un don extraordinario. Una cámara que acompaña y más que eso, que se toma el tiempo de observar a través de encuadres que aparentan no hablar en un principio, pero que poco a poco en conjunto comienzan a articular las ideas más recónditas y más bellas, que se camuflajean en la obviedad de lo cotidiano.

Es como si con cada toma, partiera el objeto y lo rearmara, descontextualizándolo de su concepto original, otorgándole un nuevo significado, que tristemente siempre ha existido por debajo de la imagen como tal y que no logramos percibir, o más bien nos conviene no percibir. La presentación del cuerpo y de la rutina, comprendidas a través de la poesía, en donde a pesar de encontrarnos frente a la imagen bajo la que siempre pensamos y juzgamos por instinto, en ningún momento podemos ver o entender otro significado más que el estado puro de su misma naturaleza. El cuerpo pierde el elemento sexual y se convierte en un modelo artístico y de admiración. La cámara contempla con gusto y con detenimiento cada movimiento, cada arruga, cada imperfección enriquecen mas a la imagen que va a detrás de la estética humana, antes que de cualquier inferencia de otro tipo.

¿Canibales o Turistas?

“Cannibal Tours” y Dennis O'Rourke

Dennis O' Rourke filmó el documental “Cannibal Tours” estrenado en 1988, empapándose de la etnografía y el modernismo del propio lugar, logrando así la naturaleza del film.

El documental que sigue a un grupo de turistas Europeos en su viaje por Sepik River en Papua Nueva Guinea, cumpliendo con todas las características del clásico extranjero en tierra ajena, paraíso desconocido y exótico, comprando, observando, fotografiando a estos seres que aparentan estar en exhibición, que roban todo su interés, dejando a la cámara sola, como un espectador de la relación entre los turistas y los nativos de la zona.

Haciendo referencia a la palabra canibalismo en el titulo y a la forma en la que la gente devora a una persona o a varias personas, roban sus pieles y en algunas ocasiones las utilizan. Dennis O Rourke nos muestra a aquellos que mas que turistas son caníbales y a nosotros mismos caníbales de su historia.

¿Canibales o Turistas?

"There is nothing so strange in a strange land, as the stranger who comes to visit it."

Para Dennis O´Rourke  el acto de filmar un documental es la síntesis de la síntesis. Cada escenario, y cada parte de la película evoluciona constantemente  la filmación, la producción, el sonido y sobretodo la propia edición se convierten en el modelo único e irrepetible que transforman a aquellos escenarios y los hacen particulares en pantalla. Los documentales no deben de existir fuera de las realidades que representan , la verdadera magia es que el espectador puede ser capaz de comenzar a crear y a construir sin conocer necesariamente la posición y la perspectiva del director , concentrándose en el momento presente. Cuando uno filma, la razon debe de quedar a un lado, dejando el paso libre a las emociones y sobre todo a la intuición, de hecho es preferible ser irracional , porque cuando uno trata de razonar en la vida en general, la belleza de las ideas tiende a desvanecerse por completo.

A veces la historia es mucho menos importante que las ideas y las emociones que lleva por detrás , David O Rourke presenta su idea, como algo que podría ser verdadero, pero a fin de cuentas es una ilusión, concentrándose en los detalles pequeños que a veces se escapan de la mirada.

“I like to think that, in my films, nothing really happens but it happens very quickly”. 

 

A través de la maravillosa fotografía O´Rourke logra captar estos preciados momentos que asegura, perdería si no fuera por el lente siempre atento de su equipo técnico de trabajo. En algunas ocasiones las sensaciones al filmar eran abrumadoras y hasta el mismo director se paralizaba, perdía detalles que sus cámaras no perdían. Un largo recorrido turístico fue el que el director realizo junto con los mismos personajes a los que siguió, entrando en un viaje de descubrimientos en una tierra desconocida  en donde parte de un lugar al que no piensa regresar, dejando así que la misma experiencia le vaya cambiando su percepción y sus emociones.

“I have been changed. This is why I say: “I don't make the film, the film makes me.”

 

El documental debe de ser claro, y certero pero no de una verdad sino del proceso de llegada  a la verdad que busca. Muchos documentales parecen contar con una sola vertiente, en donde el espectador no es capaz de divagar y construir por si mismo su propio camino y se ve obligado a seguir una plataforma previamente construida por el director, quien no ofrece más que su verdad.

“I reject the whole notion of the  documentary film maker as a culture-hero”.

Las imágenes en el documental son atinadas y más que eso, son cómplices del conflicto pasivo social y el choque entre culturas, amabas realidades, el punto de vista de los turistas como el punto de vista de los grupos nativos, ambos defendidos y más que eso, expuestos en su posición. Es interesante que a pesar de tarar a estos dos grupos tan opuestos, el director logra no tomar un cierto partido, sino presentar la verdad de los actos humanos. Una cultura que se siente invadida, porque la otra la invade. Estamos hablando de un tipo de invasión, aun más corrosivo que las peleas y el sometimiento, una invasión al espacio sagrado, a la esencia, un turista mustio, que navega con bandera de pureza pero que solo roba recuerdos imágenes y momentos irrepetibles de aquellos únicos dueños de estos.

Dennis O´Rourke establece que el verdadero problema del documentalista de hoy, radica en la capacidad de articular al autor con el objetivo y a su vez con la audiencia, es decir el dilema de la representación. Como dice Jean Baudrillard, muchas veces las imágenes tan explícitas, tan reales, tan crudas, en lugar de dar realidad y objetividad a la historia, tienden a contaminar el significado.  En cambio la imagen situada en el papel de representación de la realidad susceptible desde un principio a cambios y presentada honestamente a la mirada como una imagen real alterada, mantiene y dispara el significado a través de la subjetividad de cada quien.

“Cannibal tours” es un documental pero al mismo tiempo una ficción, porque a final de cuentas nunca dejará de ser un artefacto que alguien creo a través de su extracción de la realidad. Un artificio a través del juego con el desastre indiferenciado de la vida para finalmente crear un producto. Visto de esta manera el producto y el espectador se convierten en uno mismo, donde se vincula al grado que puede avergonzarse de sí mismo de sentirse fuera o mejor aun dentro de la historia  o partícipe de esta.

En el caso de los turistas reconocemos su desesperanza de la experiencia misma y vernos a nosotros reflejados en ella, al igual que logramos comprender que los mismos turistas saben que cualquiera que vea la película compartirá este sentimiento desesperanzado con ellos.

 

This is part of what Professor MacCannell wrote:

“It is disheartening that any group of human beings, simply caught in the eye of the camera, could appear to be so awkward and in such bad faith.  It is to O’Rourke’s great credit that he does not simply leave us with these disturbing images.  The film quietly provides answers to the questions it raises, and to do this O’Rourke goes to a psychoanalytical level. Freud does not speak here directly, except perhaps in the final  scene where the Bette Midler-type American woman climbs in the plane brandishing her five realistically carved dildos (“I get to ride back with these in my lap!”). It is the camera, which throughout assumes the role of the old paternal analyst, steady, listening, silent, pretending to be non-judgemental...

“This is what frightened me most about the film. The tourists, throughout, seemed incapable of a conscious detachment from their values, which was so evident a feature of the New Guinean images and discourse. The tourists’ detachment takes the form of repression and denial of the myth of modernity so it necessarily expresses itself always as an out-of-control force leading to non-ritual violence. The New Guineanans do not see this difference between themselves and the Europeans. They rigorously maintain there is no difference with the single exception that the Europeans have the money and they don’t. This film is a reminder that the task of anthropology is far from done - we have yet to explain ourselves.

Los nativos del pueblo, saben que cuando se trata de turistas apreciando su cultura, sus tradiciones y su forma de vida, no llegarán a estar tan cerca del entendimiento sino más de la curiosidad y del morbo que esta situación tan opuesta les provoca. Saben que frente a ellos, son modelos prefectos para las fotografías más extrañas e interesantes, lo que podría ser un acercamiento en donde ambos grupos terminan por ganar, deja a los turistas como predadores en un zoológico y a ellos, los nativos, como los animales en exhibición. Es justamente esta relación la que desemboca en un colonialismo de nuestra época, como a había mencionado anteriormente, el nativo se siente invadido por sus diferencias, por lo tanto lo primero que decidirá cambiar son esos rasgos distintivos adoptando cada vez más la cultura y los ideales extranjeros. Cada vez se aleja más de su identidad original por miedo a ser señalado por esta misma.

Una búsqueda de sentido, que está condenada desde un principio.

One condition of modernity is that nobody knows who they are any more. "CANNIBAL TOURS”, like most of my work, is situated out on what I call the shifting terminus of civilisation; where modern mass-culture grates and pushes against the original, essential aspects of humanity and where much of what passes for 'values' and ‘good taste’ in Western culture is exposed, in stark relief, as banal and fake. People have asked about the film, "Where did you get those amazing characters?” They thought that they were actors. The reality seems too fantastic. Yet they reveal the ignorance and insensitivity that lies under the surface in all of us when we are tourists. But these are not bad people, no worse than you or me, and I am sympathetic to them all.

It might be considered that this is a problem without solution - a problem as profound as ‘original sin’. Tourism forms part of a general framework of unequal North-South relations just as it is a manifestation of the impoverishment of human relations in the post-modern, post- cultural, consumerist world. In order to change this one element of the system one has to first, and the same time, change the whole.

Entre pajaros muertos...

 

Robert Gardner

“Dead birds” es uno de los documentales más controversiales y aclamados de la historia. Filmado en Nueva Guinea desde sus inicios este film estuvo lleno de características extraordinarias hasta el día de su presentación final que contaba con la edición más atinada. La filmación de “Dear birds” exploró los límites del arte y de la creación dentro de un proyecto cinematográfico, sin dejar atrás la representación y el descubrimiento del verdadero significado de las vidas humanas.

El documental sobre los Dani, un grupo de personas que habitan en la parte alta de las montanas de Irian de Oeste, una cultura neolítica clásica, humanos excepcionales que luchan en contra del ambiente y el sistema social en el que se encuentran inmersos. Una situación parecida a la de los eskimales con Flaherty, una vez la presentación de esta cultura ajena, opuesta y desconocida a la nuestra, que dentro de sus barbaries superficiales muestra el sentido humano y el aprecio inigualable a la vida.

Bajo un sistema de ataque y venganza, clanes vecinos de la zona de los Dani, los confrontan constantemente en batallas en las que cada clan busca a través del performance físico, sus cuerpos y sus lanzas intimidar al enemigo en este caso los Dani, por horas enteras, un juego de caminar adelante y hacia atrás, una lucha que terminara por derramar sangre, pero solo de algunos elementos del grupo. Los clanes al igual que ellos no buscan la exterminación por completo del grupo en oposición, sino solo la amenaza y por lo tanto la posición de superioridad frente a ellos.  Flechas y lanzas atraviesan partes de sus cuerpos, sus brazos o sus piernas, de vez en cuando algunas atraviesan el corazón de alguno arrebatándole la vida para siempre. Las peleas terminan, los gruñidos y las garras que sacan regresan a sus casas, ayudando a aquellos que resultaron heridos y cortejando a aquellos que murieron, pero la batalla no cruza sus fronteras más allá de eso. Es como si tentaran a la muerte sin llegar a la masacre por completo, porque exterminar al elemento enemigo por completo implicaria el fin de su sistema de ataque y venganza que ha consolidado su medio social por anos enteros. Sin la guerra no existiria una forma de satisfacer la venganza de los fantasmas que han muerto , una extrana y primitiva forma de mantener la armonia.

Las guerras de los Dani, son una historia sin fin.

“Dead Birds” cuenta con un significado inmediato y alegórico. En el lenguaje de los Dani se refiere a las armas y los ornamentos que se recuperan en batalla, pero en su mismo lenguaje poético se refieren a sí mismos como pájaros , y como pájaros deben de morir.

“It was an attempt to see people from within and to wonder, when the selected fragments of that life were assembled, if they might speak not only of the Dani but also of ourselves.” —

                                                                                  Robert Gardner

Un documental duro y realista, que no tienta las paredes de la realidad sino cruza a través de ellas, con un lenguaje poético en donde Gardner convierte a la cultura en una metáfora entre la ternura y la crueldad no solo de ellos sino de la existencia humana. Adoptar a una cultura tan lejana a nuestra idea de cultura y sociedad y ser capaz de demostrar sus dotes humanos dentro de sus mismas acciones atroces, parecería difícil es mas completamente incongruente, pero un documental mas en donde se nos presenta la misma realidad que la nuestra solo que en un escenario diferente, y nos deja pensando que no somos tan diferentes unos de otros, y que aquellas alabanzas a la muerte, la quema de un niño y la recopilación de su huesos, no es ninguna profanación sino una forma de despedida y de honra a la vida, que por mas ajena y animal que parezca nos remonta a nuestra propia cultura y a nuestras propias manifestaciones.

Me gusta pensar como lo he repetido en varias ocasiones que todos somos capaces de ver hasta en las cosas que más odiamos y más nos repugnan, aquellos destellos de luz que nos recuerdan que todos provenimos de un mismo lugar y que las costumbres no marcan a la gente, lo que las marca son los significados detras de ellas. Ser capaz de encontrar esto y transmitirlo como en el caso de Flaherty o Gardner, no es una capacidad es una virtud en la sensibilidad de entender el sentido de la vida, más allá de la violencia y el odio. Entender que la belleza se encuentra hasta en lo inimaginable, solo hay que saber abrir bien los ojos.

LA OTRA MIRADA......

“Dead Birds” se construye en base a la creación de una ilusión de que existe una narrativa y una historia comprensible detrás de todo esto, que evoluciona de manera natural y cronológica. Aunque uno argumente que el cine requiere esos artificios para su existir ,el hecho es que es falso. Realmente no existe una batalla en particular sino termina por existir gracias a la composición de varias. The major battle sequence in Dead Birds is put together from shots of different battles at different locations''.

Gardner creo y narro monólogos internos para algunos de los personajes principales. Una vez más violando las reglas y experimentando los campos fuera de los márgenes que se le habían impuesto al documental, como muchos otros ya lo empezaban a hacer también.

Robert Gardner fue una figura vital para el documental etnográfico entre los anos de 1950 y 1960, aun así sus reconocimientos públicos, escritos, y sobre todo sus documentales desde lo que fue “Dear Birds” no reflejan ningún conocimiento o interés sobre los conflictos que han preocupado a la antropología desde los años setentas. Gardner a permanecido fiel la errónea idea de que la antropología busca como único la preservación de remanentes auténticos primitivos de culturas que están por desaparecer. Parece irresponsable en su posición, porque en lugar de continuar sobre esta línea intencional que busca desesperadamente el encuentro de la humanidad en estas personas y dirigirlo hacia el aspecto también antropológico, prefiere romantizar por completo la situación de estos extraños tan diferentes a el que le despiertan una oportunidad única de explorar sus cuestionamientos como ser humano, ante la vida ya ante la muerte, el papel de la mujer, y hasta su propia identidad.

Gardner nos seduce a través de su visión artística, pero cuando en verdad lo pensamos, tal vez esto sea más un viaje de confirmación propia del mismo Gardner en donde el supuesto objetivo, la cultura Dani, queda en segundo plano, pasa a ser este detonador de emociones de confirmaciones y de belleza dentro de la propia rutina primitiva de vida, el propio instinto llevado al máximo sentido de belleza y de confirmación, que tal vez no lo sea.

Dejando así el factor de estudio, etnográfico y antropológico a un lado, los Dani a través de la búsqueda entrañable de Gardner, pero realmente son los Dani a los que nos identificamos?

Tal vez no....

Flaherty con Nanook

“Nanook of the north”

Robert Faherty famoso explorador que poco a poco se fue transformando en director de peliculas y documentales es el creador unico y original de la pelicula “Nanook of the north”, que fue estrenada en 1922. Calificada por varios cineastas de la epoca y de todas las epocas como el primer documental de duración larga, como la de una pelicula. El género comenzaba a transformarse y Flaherty toma las riendas de ua nueva idologia, en donde no existe el limite tematico ni temporal para su documetal, sino un sin fin de posibilidades y experiencias a traves de la realidad y la manipulacion de esta, otorgandole asi una fuerza que aun se refleja en el trabajo de los creadores de estos dias.

El repetido contacto de Flaherty con los nativos de la zona su interaccion no solo como espectador sino como un miembro aceptado por esta misma cultura, dieron un impulso gratificante al documental y la evidencia etnografico. Existia un sin fin de posibilidades a estudiar y a contemplar, detras de estos pueblos con vidas tan distintas pero en los que aun asi brillaba la calidad humana. Comenzó haciendo excursiones con mapa en mano, al lado de su padre, en donde ya se veía una relación especial con el ambiente y la situación a partir de sus previos trabajos como cartógrafo.

The North is a place of "Long nights--the wail of the wind--snow smoking fields of sea and plain--the brass ball of sun a mockery in the sky..."

Con leves paneos y movimientos de camara Flaherty , se dejo llevar por el mismo movimiento que la naturaleza por si sola otorga , movimentos del bote en el mar, un montonde esquimales tratando de levantar a un foca que a prensado un pedazo de pescado por debajo del hielo. La vida cotidiana, y su misma naturaleza en su maximo esplendor. Las virtudes de un lugar en donde predomina la esencia de la vida sin ningún cambio, la lucha constante del hombre por el verdadero sobrevivir en el lugar donde le ha tocado aprender a existir. Toma tras toma, se van revelando las amenazas y los filos de la dureza y la adversidad de un ambiente tan hostil como este.

Flaherty a pesar de llevar todo en su contra, muestra poco a poco a los personajes, su desenvolvimiento y mas que eso, su pasion y goce por la vida que les toco vivir. Nunca como un castigo ni como una realidad a la cual mirar hacia abajo, sino en sentido opuesto, potencializando las enumerables cualidades de los heroes que habitan ese lugar y de las familias que protegen de situaciones que los ponen entre la vida y la muerte.

Nanookk: "fearless, lovable, happy-go-lucky Eskimo,"

Flaherty adopta un estilo lejos de lo civilizado, apegado y justificado al sistema que intenta presentar, transportando al espectador directamente hacia la acción el pescar con las manos y deshacer la piel de un animal aun vivo con los dientes, se transforman en una sensación tan real que pasan del arte de la necesidad al arte de lo visual y sobre todo al entendimiento de estos personajes no como caníbales y salvajes cino como sobrevivientes excepcionales de un ambiente tan áspero como este.

La cámara vincula con ellos, y en repetidas ocasiones hasta nos hace reir, genera completa empatía con Nanook y con todos los miembros de su familia. Las actividades que realizan dejan de parecernos tan ajenas, nos parecen aun tan privadas y tan sagradas como a nosotros, la protección y la defensa entre ellos mismos nos remonta nuestros propios instintos a pesar de vivir en mundos paralelos.

Este documental cuenta con un sin fin de momentos sagrados que reflejan un modo de existir en una realidad desconocida para el espectador, pero aun mas valioso que eso, muestran la relación que existe entre un explorador ajenos a una sociedad en la que aparentemente encuentra su lugar, dejando de ser espectador y convirtiéndose en cómplice. Flaherty no aparece en el film cazando morsas junto a Nanook y a los lobos, pero aparece dentro de los territorios más preciados y secretos de una familia que está acostumbrada a solo ver las caras de los que son iguales a ellos mismos. Aun mejor que esto, es tal el vínculo, la confianza pura establecida entre ambos, que Flaherty logra recrear momentos, no recreables, logra hacer comprender a la estrella del documental, lo que implican sus acciones y la belleza del resultado de estas en la cámara.

Existe un momento especial en el documental cuando Nanook hace contacto visual con la cámara por un momento. Una mirada que expresa mas de mil pensamientos, un lazo estrecho entre actor director, en donde uno es cómplice del otro, y a pesar de saber que existe una línea entre ambos que nunca dejara de existir, esta es respetada como la ley de la vida tanto por Nanook como por Flaherty quien conoce los limites de las bondades de sus buenos amigos y a pesar de estar cerca, nunca traspasa las fronteras de la privacidad.

A pesar del rotundo éxito del film, en donde por primera vez se presento un mundo nunca antes visto tan real como la pantalla lo permite ser, fue seriamente criticado por la mayoría de escenas puestas intencionalmente para la filmación del documental, alteraciones de la realidad que violaban las reglas documentalistas de aquella época en donde todo lo filmado tenía que ser cien por ciento real, sin ser intervenido.

"A filmmaker must often distort a thing to catch its true spirit".

                                                                                  Flaherty

Escenas dentro del igloo, no pudieron a ver sido filmadas en el lugar real, debido a problemas de iluminación y aun mas por escasez de espacio, pues no olvidemos que el equipo de aquella época era aun mas estorboso y difícil de mover, sobretodo en condiciones adversas como esas.

A pesar de ser discriminado por su alteración a las bases del lenguaje real del documental, nunca dejo de defender su trabajo, un pionero con ideas revolucionarias que cambiarían la dialéctica y método del documental años después, por desgracia de ellos mismos los verdaderamente revolucionados son incomprendidos por aquellos de su propia época, un trabajo diferente que hizo brincar los críticos de la época, para 1989 quedo dentro de las 25 películas seleccionadas para ser preservadas por el United States National Film Registry.

La importancia de Robert Flaherty no se puede medir con definiciones actuales. El término documental fue utilizado por primera vez por Johan Grierson en relación a Moana, y todavía en nuestros días esa relación a afectado la posición de Flaherty no solo como explorador sino como creador pionero. El no fue el único ni el primero en buscar culturas y ambientes exóticos, tampoco fue el primero en ganar popularidad en el género del "viajero explorador" , pero su manera genial de filmar y de contar la historia a través de sus legendarios ojos, le han conseguido un lugar indiscutible como cineasta. Tomas nunca antes vistas, seguidas por una hábil edición, que hace parecer todas las piezas como una sola.

Jean Rouch

Jean Rouch

Considerado uno de los fundadores del "cinema verite" en Francia e  influenciado por varios artistas estadounidenses Rouch se caracterizó por su mirada antropológica,  un ojo profundo que observaba en los lugares más recónditos de un África sumergida en el pasado.

Influenciado por el surrealismo, la mayoría de sus películas navegan entre los mares de la ficción y del documental, una forma original e innovadora en donde no recaemos de lleno en el individuo sino en la etnicidad que lo caracteriza.

"In charge of research for the Museum of man ...Is there a better definition for a filmmaker?"

                                                                      Jean Luc- Godard sobre Jean Rouch

"Glory to he who brings dispute".

                                                                      Jean Rouch

Amante de la controversia y la información que provoca descontrol Rouch es considerado el padre del cine Nigeriano. A pesar de haber llegado como un colonizador en el año de 1941, decidió permanecer en Nigeria convirtiéndose en un gran defensor de la desamparada comunidad Africana, impartiendo sus dotes de cineasta a muchos artistas originarios de la zona. Rouch se convirtió en el mentor de muchos. Damouré Zika y Oumarou Ganda entre los más conocidos.

Las etnias de Zarma y Songhai seducieron la mirada de Rouch, quien comenzó a filmar las fiestas y los rituales de la gente de la zona. Años después entró en contacto con Damoure Zika con quien estableció un fuerte lazo de amistad  a partir de los cincuentas y comenzó a utilizarlo como el protagonista, punto principal de todos sus documentales. La cultura, las tradiciones, los colores y los olores de la gente de Niger River Valley. La primera de las 150 películas en las que apareció bajo las direcciones de Rouch se llamo " Bataille sur le grand fleuve", que refleja la vida de los pescadores en Sorko.

Poco tiempo después, a través del silencio y la contemplación, Rouch filmó “Jaguar" en donde Zika interpretó a un hombre joven quien iba en busca de trabajo en la costa dorada en Africa; qué mejor forma de recuperar la realidad y la esencia de un continente como este, sino es a través de aquellos que nacieron en él. Justamente por esto tambien se le permitio a Zika que se adentrara en el proyecto, no solo como objeto protagónico, sino también como creador, ayudando a Rouch a reeditar la película que radicó por varios años en la fórmula del silencio para después tener voz a través de diálogos y comentarios, de nuestro personaje principal.

“Jaguar” contrasta al campo con la ciudad, lo primitivo con lo avanzado. África un continente que parece haber encallado en el pasado, cuenta con un sin fin de realidades opuestas unas a las otras, haciendo cada vez más evidentes las diferencias y el avance que existe para algunos, pero por desgracia no para todos. El poder rigiendo una vez más el tipo de vida que tendrá la gente, hasta dónde llegarán sus expectativas y sus metas, hasta dónde se llegará la cubeta de agua para poder sobrevivir la semana. La narrativa de la película se improvisó entre Rouch y los tres jóvenes a quienes acompañamos durante todo el recorrido. Diálogos, música y conversaciones fueron añadidos en postproducción como ya había mencionado anteriormente. Nunca existió un equipo de sonido que sincronizara la imagen con el audio durante la filmación. A veces el silencio, permite a la imagen y a las acciones tomar su propio rumbo sin a ver tenido que firmar su propio destino.

"Jaguar" llena de cortes y montajes, llena de elasticidad en su estética y en su historia, nos hacen entender aun mejor, la situación por la que van atravesando los tres personajes, quienes no cuentan con un destino claro, caminan y buscan, las búsquedas siempre vienen llenas de una sensación de satisfacción pero al mismo tiempo de adrenalina, porque no existe la certeza sino hasta el mero final.

La agilidad mental y emocional que les permite reinventarse y reajustarse formando un resultado convirtiéndose en cómplices de sus propias experiencias. Una película que finalmente habla y analiza detalladamente el contenido de la persona, el contenido humano.

“Los maestros locos”, una ceremonia, una cultura distinta, una forma de manifestar, un método de expresión, una llamada de auxilio, una sociedad poseída ,una sociedad están cada en la ignorancia o tal vez una visión distinta al enojo, al dolor y al sufrimiento.

 Seria dificil elegir alguna de las posibilidades anteriores para siquiera poder empezar a hablar de semejante documental lleno de poder y violencia lleno de realidad que termina por provocar rechazo en el espectador. A pesar de que vienen a mi mente, todas estas ideas que me fueron acompañando con cada cuadro, cada toma , cada sonido que se presentaba en el documental, este desagrado y contrariedad ante las imágenes, no justifican mi posición, así como Rouch tampoco trata de justificar la suya, solo la expresa. Entonces a fin de cuentas quienes somos nosotros para juzgar? Es importante dejar la ingenuidad y los prejuicios atrás y tratar de entender el fenómeno detrás del monstruo, sin tapar nuestros ojos por no querer ver la fealdad de su cara.

"The Hauka" asi se le llama al acto religioso, el "rito" que se le encomendó a Rouch para ser filmado, y por siempre conservado en la memoria de la pantalla. En una especie de granja a horas de la ciudad, los Hauka comienzan a entrar en trance hasta quedar completamente poseidos por personajes relacionados con el poder colonial, durante la Primera Guerra Mundial, parte de la ofensiva Alemana que invadieron parte del Oeste del continente Africano. El gobernador general, la esposa del doctor, el ingeniero, entre muchos otros serán los nuevos protagonistas de este documental, que a través de una serie de ritos sangrientos, nos llevarán a un viaje confuso, pero más que eso aterrorizante.

"Los maestros locos" un mensaje tan poderoso que hasta es desagradable, imágenes de hombres poniendo su ojos en blanco, moviéndose con gran dificultad y rudeza, diciendo palabras incoherentes de un idioma Hauka inventado con una boca que no deja de babear, como si una víbora los hubiese atacado. Se queman con antorchas, el dolor como una especie de confirmación al rito y a sus acciones. Ninguna de estas escenas es falsa, las ceremonias de los Hauka no son actuadas sino pura realidad.

La muerte de un perro, para después ponerlo al fuego y comerlo en un acto que junta la rabia y la impotencia, que demuestra el descontento de una sociedad reprimida de la forma más desagradable y más atroz. Con cámara en mano, dejando el tripie y los equipos ostentosos y pesados atrás, Rouch finalmente y a pesar de toda la carga violenta y grotesca en su película, nos deja ver aquel humano detrás del animal, que se convierte para después regresar a sí mismo,  que se prende fuego, pero no se prende fuego, que se llena de sangre de perro en un acto desesperado por defender su pasado y sentir que no solo aquellos colonizadores eran los únicos capaces de infundir miedo a los ojos del espectador.

Después de la independencia de Ghana en 1957, la migración fue controlada y varios Hauka que residían en Accra regresaron a Nigeria, viéndose los Hauka absorbidos por el nuevo sistema religioso.

Rouch al terminar de filmar la película afirmo que los eventos capturados por su cámara representan el fin del desarrollo Hauka. Hoy en día es proyectada en varias aldeas de Ghana y en el centro cultural de Nigeria.

Jean Rouch fue espectador y fue creador de un trance a su vez, en el momento que proyectaba el documental a los mismos protagonistas de esta, que al verse reflejados en pantalla, volvían a sentir esta fuerza que se apoderaba de ellos y los poseía perdiendo el control. Este viaje en el que nosotros también nos podemos ver poseídos, nos invita a conocer y a ver aquellas cosas que no nos gustan ver, es desagradable porque es real, y muchas veces la realidad en dosis extremas duele más de lo que uno se imagina.

Una crítica pero un reflejo de la sociedad con el que podremos nunca estar de acuerdo  ritos que nos parecen tan ajenos a nuestras costumbres que hasta nos ofenden, sería interesante preguntarle a  Damouré Zika antes de haber conocido a Rouch, que opinaría de un concierto de Los Rolling Stones en que la gente se droga y se violenta y parece estar poseída....Por eso es que a pesar del rechazo que me provoca, nadie está en la posición de juzgar.

 

en.wikipedia.org/wiki/Les_Maîtres_Fous

fr.wikipedia.org/wiki/Jean_Rouch

www.maitres-fous.net/

ww.oppapers.com/essays/Flim...Jaguar-Jean-Rouch

fr.wikipedia.org/wiki/Jaguar