martes, 27 de octubre de 2009
Chantal Akerman
Un poco de Chantal Akerman
Akerman nació en Bruselas, Belgica. Sus abuelos y su madre fueron llevados a Auschwitz, pero solo su madre pudo regresar, factor que afecto de forma inminente en su vida; la ansiedad de su madre es un factor recurrente en las películas de Chantal.
Despues de ver la pelicula “Pierrot Le Fou” (1965) de Godard a sus quince años de edad, decidió esa misma noche que ella se convertiría en una directora de películas y documentales. Su primera pieza en 35 mm, un pequeño cortometraje en blanco negro que se llamo “Saute ma ville”, le costó a Akerman la venta de varios objetos preciados entre estos el intercambio de un diamante, vendió prácticamente todo para poder producir su propio cortometraje, el cual años después entro a concursar al concurso de documental de la Oberhausen.
Despues de su pelicula “Jeane Dielman”, Akerman comenzó a marcar su estilo, con una estética sumamente especial. Tomas estáticas, cámaras que esperan, que aguardan silenciosas a ver con detenimiento para no perder ningún detalle. El rol opresivo que desempeña dentro de un círculo social, la cámara como arma para revelar hasta los más profundos secretos de una cultura sumamente apática y fría.
No estaría completamente segura de que la cámara logra el objetivo inicial, de mover a las personas haciéndolas sentir expuestas para que estas reaccionen en la escena, pero al pasar del documental uno nota, que ese no es realmente el propósito, sino justo lo que se logra. La presentación de espacio comunes, la rutina y monotonía de la vida llevada a su máximo esplendor, pero dentro de eso, la belleza visual y creativa que estos momentos portan por si solos , convirtiendo también a la cámara en una herramienta de recopilación de estos momentos.
El documental, dentro de su extrema serenidad y sencillez, termina por atraparnos, termina por ensenara a nuestro ojo de espectador a fijar atención, en aquellas situaciones que nunca sabemos ver. Las situaciones dentro de las casas de estas familias que parecen tan ajenas y lejanas a nosotros, tienen mucho más en común que lo que podríamos imaginar. El sagrado silencio de los momentos de la vida, nos deja ver y escuchar, todo lo que el ruido y los sonidos nos bloquean.
Gente dentro y fuera de sus casas, una buena forma de plantear el escenario común en la calles nevadas y depresivas en donde la gente no habla solo camina, para después adentrarnos en sus mundos privados, donde descubrimos que son personas y viven en familia al igual que cualquiera de nosotros y que no solo son figuras de hielo en las calles que parecen correr su vida sin pena ni gloria.
Algunos voltean pero en su mayoría evitan ver a la cámara, ¿es una sensación de disgusto o más bien una sensación de indiferencia?
Las tomas son lentas, que hasta parecen cuadros lluviosos con gente y coches borrosos en la niebla, una poesía del espacio, de la vida y del sistema de vida. Una rutina poética, llena de atractivo visual y de momentos insignificantes que a fin de cuentas son los que hacen tan especial la vida de estas personas.
Le sang des Betes
“Le sang des Betes” de Georges Franju.
Este documental de 1949 dirigido por el francés Georges Franju "La sangre de las bestias" fue su primer película donde mezcla a la perfección las calles de Paris, finas y retacadas con escenas de carnicerías en donde matan a los animales para cortarlos en pedazos y luego venderlos. Franju aseguro que para él no era lo más importante el acto de asesinar a los animales cuando el decidió filmar la película, pero la locación cercana al edificio era el Ourcq canal permitiéndole hacer su documental.
Utilizando un formato documental , tuvo la oportunidad de utilizar las locaciones poder explicar el ambiente realista y tambien el surrealista, cuando se trata de descontextualizar un objeto. Como los animales en distintas situaciones cambian de sentido completamente para descubrir su nueva calidad como objeto.
A través de los colores blancos y negros, nos adentramos a un mundo desconocido, pero tan conocido como el que toda la comida que comemos por ahí sin nosotros siquiera preguntarlo. Ahora me podría poner del lado de los vegetarianos de los cuales he hecho por burla por tanto tiempo, a veces no pensamos el proceso que llevo tener un filete de res, rojo y jugoso listo para comer en el plato.
“If it were in colour, it'd be repulsive... the sensation people get would be physical one."
Franju
Las escenas se intercalan, la pureza y tranquilidad de una ciudad, con una matanza descarnada, en donde no solo matan a los animales, entre cortes y despedazadas, los dejan irreconocibles. La crueldad pura, vista como una necesidad de subsistencia, no como un acto de maldad. Los carniceros que están a cargo de los animales, los matan como uno corta naranjas, no requiere ningún esfuerzo emocional, matar, se ha convertido en una actividad normal para ellos.
El tono del documental es un tanto sarcástico, haciendo referencia a un acto tan sanguinario y repulsivo como este, el planteamiento es dulce y tranquilo, detenido en la acción, sin editar ni evitar, al contrario buscando exponer cada detalle de lo que nunca deseamos ver, ni siquiera imaginar.
“There is not a single shot that does not move us, almost for no cause, through the sole beauty of the style, the great visual calligraphy.”
La presentación de los sistemas para matar a los animales, radica en el humor negro, que uno terminaría por sacar una pequeña carcajada, pistolas, palos, cuchillos, todo tipo de materiales sádicos que pueden quebrarle el cráneo hasta a una res que pesa lo que siete carniceros juntos. Quitan sus pieles como si fueran cascaras de plátano, cortan sus miembros no tras otro de forma automatizada, para luego colgar el resto del cuerpo que parece cambiar de forma poco a poco. Mientras vemos pedazos de animal por todas partes y cuerpos descabezados aun moviéndose Franju nos acompaña en esta montana rusa de emociones con una voz que narra con un lenguaje suave y emotivo.
"A través del ojo” de Atravazd Peleshian
A través del ojo de Atravazd Peleshian
Hablando de Peleshian se tiene que hablar de Godard, las similitudes son evidentemente notorias. Empezando con el manejo de las imagenes en películas como “Iván el Terrible” y “Angeles del pecado”, Peleshian al igual que Godard usa y recicla u numero de ciertas fotos familiares y sonidos en diferentes películas durante su carrera fílmica, como una especie de sello distintivo. Peleshian cree fielmente que la fotografía es verdadera, parando en cada imagen recobrando un cierto sentido en determinado tiempo. Reutilizar la imagen en diferentes momentos cambia la esencia y significado de esta, al igual que el uso de oraciones o frases que tal vez ya hayan sido utilizadas anteriormente pero al ser recontextualizadas vuelven a cambiar.
Pero hablando específicamente de las palabras, ahora recordamos que en ningunas de las películas de ambos directores se utilizan palabras, de hecho en el caso de Peleshian no hay ni siquiera una palabra en dialogo porque este no existe, haciendo asi un subrayado en el verdadero poder de la imagen en pantalla sin necesidad de la palabra que busca aportar sentido.
Peleshian parece ver a las personas como identidades monolíticas , cuyas ambiciones, idiosincrasias, luchas y emociones a pesar de ser particularizadas por la historia , trascienden geográficamente. La temática de Peleshian, una mirada profunda a la historia de su país que revela una gran cantidad de tragedias que lo acompañaron durante su vida. Una constante presencia de imperialismo, opresión, y varias situaciones que han atacado a Armenia desde años atrás. Tomando en cuenta lo anterior es normal y casi natural comprender las películas de Peleshian como situaciones de movimiento, de tiempo, de gente y de vida, al igual que las imágenes que por sí solas denotan este sentimiento, cambio y constante transformación. Armenia por si sola ha sido caracterizada por los movimientos y la inestabilidad que su historia nos cuenta. El constante paso del poder de un gobernante a otro y la desesperada búsqueda por encontrar un lugar donde poder asentarse y poder vivir.
“The Armenians are simply an opportunity that allows me to talk about the whole world, about human characteristics, human nature. One may with also to see Armenia and the Armenian in that film. But I have never allowed myself to do it then, and would not now.”
En toda su trayectoria fílmica, la percepción de sus películas frente al espectador, siempre permite llevar consigo un todo , mas no una sola parte en particular. A pesar de que muchos elementos se presenten repetidos durante la película su orden y su posición alteran la visión del espectador de distintas formas, manteniendo una buena distancia con el espectador, se le otorga un ojo omnisciente que le da la sensibilidad de ver mas alla, de poder comprender los problemas y las situaciones que se presentan, no solo cosas en particular sino un todo. Tal vez esta sea la razón por la que no existen personajes en las películas de Peleshian , es muy difícil poder distinguir entre el material previamente seleccionado al material que se construyo para la película, para él los personajes ya vienen implícitos en todo tipo de historia, esperando a ser descubiertos por el espectador.
Peleshian desarrolló un estilo cinematográfico muy particular, conocido como montaje a distancia, en donde se combinan la percepción de profundidad así como imágenes de manadas de antílopes o animales en plena acción. El uso de material de archivo, también es un elemento característico en sus películas aparte de su propias tomas.
Me atrevería a decir que sus películas se encuentran entre la línea del documental y la ficción, historias con diferentes caras que a pesar de no ser de larga duración, nos atrapan desde un principio.
Sometimes I don't call my method "montage". I'm involved in a process of creating unity. In a sense I've eliminated montage: by creating the film through montage, I have destroyed montage. In the totality, in the wholeness of one of my films, there is no montage, no collision, so as a result montage has been destroyed. In Eisenstein every element means something. For me the individual fragments don't mean anything anymore. Only the whole film has the meaning."
Peleshian.
“The seasons of the year, The end”.
In the first section Peleshian presents us images from sunny day in an idyllic pastoral life, where a family of herdsmen lead their sheep through a dark tunnel and then to light. We then see a group of young men dragging huge stacks of hay down a hill slope and then trying to stop it. This scene, once more, illustrates our can’t-live-with-can’t-without relationship with nature, but never once becoming a contrived symbol or a metaphor. It is merely a glimpse of life which reveals a fact rather than expressing it. The same would be true of the sequence that is to follow, where the herdsmen risk their own lives in order to salvage their herd that is caught in the rapids. The film then shifts to an ethno-documentary mode as we witness a marriage ceremony in which a cow forms as much an integral part as the bride and the groom. In a rather prolonged scene that follows, in what looks like an amusing sport, we are shown a few men, each holding a sheep in his hand, sliding down a snowy hill, refusing to let go of the animal – A practice that is as strange as man’s kinship with nature – living with it, living against it, living despite it, living for it and living because of it.
Although Life would have made an astounding end to a solid filmography, it is End (Verj, 1994) that provides a more rounded closure to it. End is a series of shots inside a speeding train, the passengers of which are of diverse age groups, ethnicities and emotional statuses. The train itself feels like a microcosm of the whole world, each of whose inhabitants is moving towards an individual destination but the totality of them going in the same direction. End is perhaps the kind of vision that Damiel (Bruno Ganz) saw in the train in Berlin in Wings of Desire (1987), considering the voyeuristic nature of the camerawork in this film. There are also a few outdoor shots, of mountains (again) and of the sun, that punctuate End. If Life’s ending shot seemed to seal Peleshian’s faith in humanity, the closing shot of End brings back the lifelong dialectic between cynicism and optimism that has so consistently characterized Peleshian’s work. We see the train, after a very long passage through the darkness of the tunnels, suddenly plunging into blinding light. Before it is revealed to us what lies beyond, the end credits roll. Is it a man-made apocalypse foreseen by Earth of People? Is it the Great Armenian Earthquake? Or is it the ultimate redemption for humanity that Life suggests? Looking back at Peleshian’s body of work, it is probably the latter.
www.parajanov.com/seasons
www.imdb.com/name
www.listal.com/director/artavazd-peleshia
en.wikipedia.org/wiki/Artavazd_Peleshyan
www.cinemaseekers.com/
Night mail
“Night mail”.
Un tren de Londres a Escocia. Este documental hecho en 1936, fue realmente aclamado debido a su propuesta y su éxito comercial, formando parte del movimiento documental de Inglaterra y considerado aun hoy en día como la película que lo define.
Experimentando con el tiempo, el sonido, la estética visual, la narrativa y la edición técnica, esta película fue el producto de un trabajo en grupo más que un proyecto individual. A pesar de haber empezado el proyecto bajo tutela de Harry Watt, Basil Wright es quien desarrollo el proyecto en base al guión y quien sostuvo la responsabilidad de hacer que las cosas pasaran y que no permanecieran como ideas, que es para mi gusto es el trabajo más importante y difícil a nivel de producción, hacer que las cosas cobren forma del papel a realidad y que finalmente terminen por suceder.
El documental fue editado por el mismo Wright y por Alberto Cavalcanti, John Grierson entre otros más que estuvieron involucrados en el proceso. Con una voz en off la película comienza con una narración que explica cómo se van recolectando los paquetes o cartas para poder pasar al proceso de distribución, haciendo paradas especificas en donde se depositan el correo y se llevan nuevos para continuar con su movimiento. Dentro del tren se llevan a cabo los procesos de selección de lo correo, dando pie a una de las mejores escenas de la película en donde se combinan la música y partes de los poemas de W.H Auden con escenas en distintas tomas de ruedas de trenes compitiendo unas con las otras.
Aunque la temática se preocupa por cuestiones referentes a los problemas de comunicación e integración, la temática central de la película está más cercana a representar situaciones del ambiente regional, al igual que busca representar situaciones de la tecnología moderna, lejos de la industria de la distribución de correo. El tren siempre visto como esta nueva puerta abierta a la modernidad y a las nuevas posibilidades , en una especie de visión como símbolo modernista, en la ciudad pero también en el campo.
The Atomic Café
“The Atomic Café”
Un documental basado en material previamente existente, que nos remonta a la época de las bombas atómicas, las creencias y teorías que mantenían los ciudadanos norteamericanos durante esos años. A partir de fragmentos de programas de televisión, videos originales del servicio militar, videos de entrenamientos a soldados, pruebas atómicas, pruebas en animales se va generando un ambiente en la película completamente real, pero mejor que eso, la sensación de que lo que estamos viendo no viene de fuentes diferentes sino de un mismo lugar. Un trabajo atinado y certero en la edición, recopilación y elección de los materiales presentados y el orden en el que se presentarían.
Después de que los Estados Unidos soltaron las dos primeras bombas atómicas en Nagazaki y Hiroshima, se da inicio a una nueva etapa de euforia entre el pueblo estadounidense y más tarde en todo el mundo, debido a que varios países comienzan a desarrrollar habilidades nucleares como la Unión Soviética entre otros, que provocan una sensación de evolución en el mundo, pero a fin de cuentas evolución que si no está en control puede acabar en nuestro propio fin. Para los años cincuentas, siguiendo este ataque de paranoia general Estados Unidos y la Unión Soviética optan por generar nuevas bombas de hidrógeno, las cuales requieren de múltiples pruebas para su confirmación. Quien vio los ataques en Japón, alguna vez se supuso que la bomba había tenido que ser puesta a prueba, que simplemente había logrado con certeza su propósito de un día para otro.
Las pruebas realizadas clandestinamente, generar daños nocivos, negativos en varias personas y animales, al igual que problemas indirectos a nivel mundial. La gente no sabía de la magnitud de estas bombas y del daño que generaban a largo plazo. “The atomic bomb” no solo presenta la información y las medidas que se le daban la gente para protegerse, sino ríe de ellas en constantes decisiones. ¿Taparse con un mantel, o una toalla, o hasta tu propia ropa? Era una burla a la inteligencia de las personas y más que eso una verdadera irresponsabilidad.
Durante el documental se genera un ambiente de burla e ironía definitiva, a base de información que ya existía, se va a revelando poco a poco, la ignorancia que corría en aquella época respecto al tema de las bombas atómicas, el chantaje y la manipulación por parte de los medios no solo a los civiles sino también a los soldados, que eran lanzados a experimentos haciéndoseles creer que nada estaba pasando, para que años después se murieran de cáncer. La clásica sociedad Norteamericana, víctima de sus propias mentiras, en donde no solo no se sabía lo que estaba pasando, sino al contrario se convertía en un nuevo sistema de mercadotecnia. Todo relacionado con la bomba atómica, café atómico, bebidas atómicas, una actitud atómica. El uso de la palabra "atómico"!
El objetivo principal que busca revelar la propaganda falsa, en la que la mayoría de lo que se decía no era cierto, o estaba manipulado para infundir miedo en la sociedad y por lo tanto mantener el control. ¿Suena familiar? Es el mismo sistema que se ha utilizado desde hace mucho tiempo hasta nuestra época, basado en el terrorismo, las enfermedades en epidemia, el fin del mundo, las guerras y catástrofes como estructura de control general. Hoy en día somos más capaces de filtrar la información, pero aun así seguimos siendo víctimas de nuestro propio juego, y seguiremos influenciados por los medios y por el correr de mala información.
¿Human remains?
Human Remains de Rossenblatt
Este breve documental de Jay Rossenblatt, ilustra de la forma más creativa la banalidad del mal en todos sentidos. Las vidas íntimas y secretos más prohibidos de los cinco dictadores del siglo pasado, nombres espectaculares que retumban en la historia desde anos enteros por sus temibles acciones y el poder que infundieron a través del control y el miedo en todo el mundo. Por primera vez el mal visto desde otra perspectiva, el factor y elemento que hace a estos seres tiranos, parecerse a nosotros, porque a pesar de todo siempre queda el lado humano de cada quien.
Todo el material del cual consta la película, son recopilaciones extraordinarias de videos originales en donde estos personajes son descubiertos al desnudo. Lejos de la vida política y la fama a nivel histórico, es increíble como cada uno de ellos tenía sus manías, vicios, gustos y disgustos, actividades favoritas aunque no lo parezca amor a la vida y a sus seres queridos, bueno, muy a su manera. Quien pensaría que un hombre que tomo decisiones tan determinantes como las que tomo Hitler, padecía de un problema de decisión hasta para elegir entre las cosas más pequeñas, empezando por la elección de color de una de sus corbatas o hasta que camisa ponerse en la mañana, amante fiel a su perro y a la pornografía, amante de las mujeres mientras las mujeres no eran amantes de él.
Un Mussolini prepotente y arrogante hasta para su vida más privada, no le gustaba estar cerca de gente enferma. Siempre consideró a los italianos como un pueblo que cuando estaba molesto era capaz de lo que fuera, dicho y hecho de igual manera sucedió cuando lo asesinaron con su esposa al término de su dictadura.
Poco después un Stalin que para mi gusto es el único que mantiene la verdadera malicia desde la perspectiva de donde se le mire. Amante del vodka, como buen ruso, del puro y del poder. Afirma que el cuerpo de su gran "amigo" Lenin era una réplica. Un facista, dictador en China, que no se bañaba y se lavaba los dientes con té verde, mientras un Franco en España, amante de la cacería y la buena vida.
Es interesante pensar que a pesar de que la posición que tuvieron estos personajes políticamente les da algo en común, en su vida privada también hay puntos que se encuentran a pesar de ser de distintos mundos. Todos son personajes carentes de personalidad, tan insignificantes que hasta decepcionan, cuando se conoce una obra maquiavélica y aterrorizante , esperamos que el autor lo sea igual, no es estar de acuerdo con lo que hace si no saber reconocer que era una persona de otro mundo, una presencia mala pero aun así controladora que le robo la vida a millones. Pero ninguno de estos cinco dictadores realmente concuerda con mentes tan visionarias y devoradoras como las que tuvieron a nivel político. ¿Será que tal vez aquellas acciones que cometieron, también pasaron por un problema de decisión y terminaron siendo una opción que no estaba bien pensada? ¿Será que la muerte de más de 20 millones de personas en Rusia sucedió por un capricho de un hombre mal geniudo y manipulador? O el Holocausto, un serio problema de madurez y objetividad en un líder, que estaba obsesionado con la pornografía y tenía un solo testículo?
¿En qué momento este mundo fue a caer en manos de gente tan ignorante, tan confundida, tan lejana a la inteligencia? En mucha ocasiones tratamos de justificar las situaciones que ocurren en manos de otros, como actos satánicos, hombres genios, llenos de malicia, la inteligencia llevado por el camino incorrecto, pero el verdadero problema es que ninguno de estos hombres es lo suficientemente sabio para controlar, muy independientemente de que además las cosas que hicieron fueron de gran impacto negativo a la sociedad, fueron cosas que probablemente no se pensaron antes de ser ejecutadas. Todos son hombres que no midieron las consecuencias de sus actos, porque no eran lo suficientemente inteligentes para notarlo. Terminaron por firmar su sentencia, uno decidiendo quitar su propia vida, a otro se la quitaron y hasta uno que no recibió castigo y murió en su cama, todos fueron en su momentos los terrores del mundo, más poderosos que Dios, daban vida o la quitaban, pero todos tuvieron su lado humano, que es bastante decepcionante en mi opinión.
Adolf Eichmann, El especialista
Eichmann, adolf
Encuentran a Eichman en Argentina
At the end of World War II, Eichmann was captured by the U.S. Army, who did not know that this man who presented himself as "Otto Eckmann" was in fact a much bigger catch. Early in 1946, he escaped from U.S. custody and hid in various parts of Germany for a few years. In 1950 he obtained an International Committee of the Red Cross humanitarian passport in Geneva and an Argentine visa, both issued to "Riccardo Klement, technician." He boarded a ship heading for Argentina on July 14, 1950. For the next 10 years, he worked in several odd jobs in the Buenos Aires area (from factory foreman, to junior water engineer and professional rabbit farmer). Eichmann also brought his family to Argentina.
In 1959, Mossad (the national intelligence agency of Israel) was informed that Eichmann was in Buenos Aires under the name Ricardo Klement (Clement) and began an effort to locate his exact whereabouts. Through relentless surveillance, it was concluded that Ricardo Klement was, in fact, Adolf Eichmann. The Israeli government then approved an operation to capture Eichmann and bring him to Jerusalem for trial as a war criminal. The Mossad agents continued their surveillance of Eichmann through the first months of 1960 until it was judged safe to take him down, even watching as he delivered flowers to his wife on their 25th wedding anniversary on March 21.
Eichmann was kidnapped by a team of Mossad and Shabak (Israel Security Agency) agents in a suburb of Buenos Aires on May 11, 1960, as part of a covert operation.
In June 1960, after unsuccessful secret negotiations with Israel, Argentina requested an urgent meeting of the United Nations Security Council, to protest what Argentina regarded as the "violation of the sovereign rights of the Argentine Republic".
The legal basis of the charges against Eichmann was the 1950 "Nazi and Nazi Collaborators (Punishment) Law".
Eichmann's trial before an Israeli court in Jerusalem began on April 11, 1961. He was indicted on 15 criminal charges, including crimes against humanity, crimes against the Jewish people and membership in an outlawed organization.
Eyal Sivan "El especialista"
En Mayo 11 de 1960, hace cuarenta años, Adolf Eichman, una de las figuras más importantes del Holocausto, fue capturado por el Servicio Secreto israelí en Argentina, en donde habia estado viviendo como Ricardo Klement por más de diez años. Las vueltas que da la vida, un año después estaría siendo juzgado por el homicidio de miles de judíos, teniendo siempre consciente que salir de ésta sería prácticamente imposible. Siempre existirán las armas en defensa de uno mismo, pero cuando la acción es tan grande y tan reiterativa, uno sabe cuando se acerca su fin.
Los Israelis contrataron al documentalista americano, Leo Hurwitz quien grabo más de 350 horas de material, que poco después fue cortado y reditado por Eyal Sivan y Rony Bauman para construir el Especialista, en donde Lietenant Colonel Eichman, se defiende durante horas enteras detrás de la excusa más vieja y clásica, " todo lo que hice fue porque tenía que seguir órdenes".
Comenzó el juicio con más de 1500 documentos , 100 testigos con los testimonios de vida más brutales y tristes, sobrevivientes de los campos de concentración, que habían perdido a todas sus familias y el trauma que les había dejado la experiencia, les haría perder la cabeza en unos anos mas. Tres jueces al mando que a veces parecían congelarse llenos de impotencia y desagrado ante un ser, finalmente el malo de la historia, lo más cercano al infierno en el que vivieron, asesino de padres, hijos y hermanos que no fue exactamente lo que pensaban que iba a ser. Cuando el odio y el rencor es tan grande, cuando las acciones de alguien son tan atroces, tan lejanas a lo que nosotros somos como personas, cuando irrumpen con nuestra libertad y alteran nuestra vida, pensamos en la cara del mal, como la más horrible y temible de todas, queremos encontrar un buen pretexto para azotar y para vengar. Pero cuando el malo, resulta ser un simple personaje, peor aún carente de personalidad, viejo, débil y más que nada humano, las cosas se tornan difíciles.
"His normality is much more terrifying than all atrocities." He personifies "the banality of evil."
Hannah Arendt
Los jueces y los testigos invitados del juicio, apuesto que quedaron inconformes con la presentación de su más fiel enemigo, porque no saben por dónde atacar, mas cuando tu atacado permanece estático en su lugar, sin manifestar vulnerabilidad ni miedo o por lo menos controlándolo a la perfección. Después de varias tomas, es claro que la fuerza y el objetivo principal del documental es el análisis de este hombre ante el juicio de su vida, de cada movimiento , cada gesto, cada mirada reveladora del miedo que lo devora pero no lo deja salir y de la resignación a su sentencia que está prácticamente clara desde un principio.
Los testimonios, y las opiniones exteriores quedan a un lado en la edición de The specialist, dando lugar únicamente a la presencia del enjuiciado.
El juicio de Eichmann termino el 14 de Agosto, a partir de ese día se comenzaron a tomar decisiones la cuales llevaron a que el 11 de Diciembre los tres jueces anunciaran culpable al acusado, el cual declaro posteriormente que esperaba la pena de muerte desde antes de que se supiera. A pesar de las defensas que intento Eichmann fue acusado por seguir sus propias órdenes, y por ser responsable de supervisar la muerte de millones de judíos.
Fue colgado el 31 de Mayo de 1962 en una prisión en Israel, rechazo una última comida y pidio una botella de vino Israeli Carmel. Poco tiempo después de la ejecución su cuerpo fue cremado sus cenizas tiradas al Mediterráneo, para asegurar que no existiera una tumba ni lugar de memoria, para un hombre que efectivamente no lo merecía. Se le borró de la faz de la tierra.
holocaust-forum.blogspot.com/.../adolf-eichmann-is-captured-in-argentina. html -
www.jewishvirtuallibrary.org
www.encyclopedia.com
www.answers.com
Resnais entre “La noche y la niebla”
". . . We pretend to take up hope again as the image recedes into the past,
As if we were cured once and for all of the scourge of the camps.
We pretend it all happened only once at a given time and place,
We turn a blind eye to what surrounds us
And a deaf ear to humanity's never-ending cry."
Jean Cayrol
Alain Resnais , director francés cuyos trabajos previos se consideran parte de la nueva ola francesa , a pesar de su larga y fructífera carrera Resnais es principalmente conocido por “Night and fog” de 1955, “Hiroshima Mon Amour” de 1959 y “Last year at Marienbad” de 1961.
“Night and fog”, fue uno de los primeros documentales que se hicieron sobre el Holocausto. Tan solo unos años habían pasado y las emociones seguían a flote. Resnais elige acercarse poco a poco a la situación, de manera indirecta, pues el peso de los acontecimientos era exagerado y temía que fueran a sobrecargar la situación al punto al que pareciera irreal e incomprensible para el espectador. Cuando la luz del sol de mediodía es tan fuerte que nos deslumbra los ojos, no debemos mirarlo a él directamente, sino a través de algo o hasta del mismo reflejo de esta sobre algún objeto.
Un tema tan delicado y tan fuerte debía de aproximarse poco a poco, como si rodeáramos la zona sin atravesar por el centro. Las tomas de campos de concentración vacios como se veían en los años cincuentas, lugares en donde ahora crecen flores y el sol ilumina, hace unos anos eran el escenario perfecto de lo más cercano al infierno. Movimientos de cámara suaves y lentos, que nos van transportando al lugar. La cámara no se detiene, porque a pesar de que no estamos viendo la situación tal cual, estamos paseándonos por aquellos lugares en donde se vivieron las peores pesadillas, parar con la cámara seria una experiencia aun más dolorosa, parar significaría detener y afrontar. Resnais de la forma más sutil e inteligente, nos lleva y nos pasea por estos lugares que ahora permanecen callados y tranquilos, gozando de una paz bien merecida.
Poco a poco nos vamos a adentrando mas y mas, lo que parecería una seria de tomas de ex escenarios de guerra, comienza a ser un recorrido en donde jugamos con el ayer y el hoy, lo que alguna vez fue de un campo de concentracion.
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No necesitamos ver los videos de tortura literal, pedazos de cuerpo cortados y rojos vivos de sangre que devoran la pantalla, con tan solo entrar a las "clínicas" y ver por unos segundos lo que había dentro de ellas podemos dejar que la mente se haga cargo del resto y sentir el sentimiento más desagradable y grotesco invadirnos por completo. Las antiguas recamaras en las que metían a un sin fin de personas, aun siguen transmitiendo esa tristeza y soledad que se vivía y se alimentaba de ellos día con día, todavía las camas de madera vacías, las esquinas y las marcas en las paredes que alguna vez se hicieron hablan por só mismas y nos hacen pensar en quien pudo a ver sido aquel que las hizo, que anhelo con todas sus fuerzas volver a la vida que se le arrebató, a la cual nunca pudo regresar.
Las imágenes comienzan a ser más constantes, acompañadas de una música, que ligeramente toca las emociones. Resnais, comprendió el golpe psicológico que fue e periodo del holocausto, una época de trauma, en donde sucedían cosas que nunca nos podríamos imaginar. El punto era hablar por la situación, dar voz a esta injusticia y a todos los que fueron víctimas de ella, se dio cuenta, que lo que parecería el método más funcional para generar un mensaje y una conciencia en el espectador, no sería mostrar la imagen tal cual, que como lo explique anteriormente satura al efecto y lo anula por completo, nos volvemos perceptivos a un montón de imágenes con carga visual realmente dañina, pero que al final terminan por no provocar nada. En su contrario la clave se encuentra en la imagen que implica una situación y un significado, la imagen que no muestra del todo, para permitir a la mente completar el resto y así llegar al nivel máximo de terror y obscenidad que una imagen no es capaz de transmitir por sí sola, si no pasa por nuestro propio sistema de interpretación.
Es justamente el planteamiento de la realidad que podemos ver, el que provoca muchas más emociones y sentimientos encontrados con solo una primera vista. No es lo mismo ver una bodega con miles y miles de cuerpos de mujeres rapadas que ver una bodega con un cerro de pelo, que nos dejara pensando, de cuantas mujeres será el pelo de ese lugar, cuantas mujeres murieron para que ese cerro sea tan grande y voluminoso.
Las imágenes del final, comienzan a ser cada vez más estridentes, material original, perfectamente selecto, en donde sentimos por fin el golpe completo de la soledad y la desesperanza de la vida. Resnais, nos empuja poco a poco, sin que nos demos cuenta, hasta entrar al infierno completamente hasta el final.
La ultima toma en la que vemos una parte del campo de concentración, en ruinas, y nos acercamos con la cámara que aparece flotar como una presencia ajena, se acerca y luego camina hacia atrás para no dejarnos entrar. Como si tocáramos el agua del dolor, sin nunca tomar de ella. Una excelente forma de acabar el documental, dejar el espacio, pero siempre a sabiendas de que el escenario y el espacio estarán ahí , para quienes vean una ruina de lo que algún día fue algo, o para quienes vean y escuchen a la gente que termino su vida ahí.
Gimme shelter
“Gimme shelter”
En Diciembre de 1969, cuatro meses después de Woodstock, The Rolling Stones and Jefferson Airplane, dieron un concierto gratuito en el Norte de California, este de Oakland en Almont Speedway. Alrededor de 300,00 personas asistieron llenos de euforia , en espera de algo parecido a lo que se había vivido en el concierto anterior, desinteresados por los peligros de las masas , ansiosos por ver a la banda del momento.
Los organizadores del evento, tratándose de un concierto abierto a la entrada de cualquier tipo de persona, llamaron al grupo de Hell Angels para que tomaran el bando en cuestión de seguridad y control dentro del concierto y sobre todo para la protección de la banda. Pensar que tratar a un conjunto de personas en masa es como lidiar con animales salvajes no me parece tan lejanos de la realidad, pero colocar animales para que vigilen a otros animales, fue lo que convirtió esta noche en una terrible pesadilla, que a pesar de haber quedado registrada por las cámaras, estoy segura que hasta la fecha atormenta a los miembros de una de las bandas estrella más importantes y más famosas del mundo.
Armados con pistolas y palos "Los ángeles del infierno" pasaron la mayoría del concierto golpeando gente con sus enormes palos a la menor provocación, los clásicos empujones de conciertos en donde realmente nadie es el responsable, terminaban en terribles heridas en la frente o golpes en la espalda, mujeres y hombres, parecía que para estos ángeles no importaba quien, todos debían de ser castigados.
Pero la violencia alcanzo su máximo cuando un hombre que se encontraba en el público, que había sido empujado por esta gran masa sin control, se vio involucrado en una pelea con uno de los “ángeles”, el cual no dudo en sacar su cuchillo y clavarlo en el cuello de este hombre hasta matarlo; todo esto con una voz temerosa pero aun esperanzada de un Mick Jagger que trataba desesperadamente calmar las aguas.
Con cientos de tomas recopiladas, atrás y adelante de la realidad que sumergía a estas estrellas, David y Albert Maysels, nos transportan a los hechos ocurridos durante el concierto de Almont Speedway, en donde la conmoción, la euforia y la desesperación terminaron por trastornar a una audiencia y a quienes parecían estar en control de ella. Lo que aparentaba ser un día para cantar "She´s like a rainbow" y " Let´s spend the night together" terminó en una terrible tragedia en donde varios salieron heridos y por lo menos uno, muerto.
Escenas del concierto detrás del escenario, afuera de las campers de Mick Jagger y del resto de los integrantes del grupo, van construyendo poco a poco la situación que en algún momento es evidente comienza a correr por el camino incorrecto. Viajamos un año después a la sala de edición en donde la banda esta presenciando por primera vez lo que sucedía mientras ellos batallaban por continuar con el show, y tranquilizar a los fans.
Cuando apenas comenzaba...
Después de un largo día de expectativa en donde cientos de personas encontraron un lugar plano en el piso, en donde poderse sentar, o aquellos que prefirieron permanecer parados por la emoción, finalmente suben The Rolling Stones al escenario, en una tarde que está a punto de dejarse ganar por la noche, se escuchan los primeros guitarrazos de Keith Richards con "Jumpin Jack Flash" los gritos del público comienzan, dejándonos sentir la fuerza y el poder que poseen, estoy segura que hasta los mismos Rolling se pusieron nerviosos. Tras un repertorio turbulento, en donde debían interrumpir constantemente las canciones debido a la violencia, los gritos y las quejas del público, llegamos a "Sympathy for the Devil" en donde la situación ya es casi insostenible, Mick Jagger y el resto de los integrantes , paran de tocar para hablar directamente a la gente que ya está completamente fuera de control, en un terreno en donde "Los Angeles del diablo” también hacen de las suyas.
For me, the part of the film that best exemplifies where things went wrong is a brief exchange between a few members of the Grateful Dead. In a scene that could be straight out of a R. Crumb strip, Jerry Garcia is offstage talking with another person about the violence transpiring in front of the stage. Weir rushes over with a brief report. Garcia's response is a stoner cliche: "Oh, bummer." To which Weir adds that Hell's Angel's beating up musicians "doesn't seem right." Garcia, Weir, and other San Francisco musicians and key figures like Janis Joplin and Ken Kesey lionized the Angels, hanging out with them, granting them special areas near the stage at concerts, and, as Echols observes, defending them as fellow outlaws. Garcia and Weir's ingenuousness is understandable given the context, but irresponsible and downright stupid in hindsight.
La tensión continúa creciendo pero no es hasta "Under my thumb" que un muchacho de 18 años, saca su revólver de la bolsa, a tan solo unos metros del escenario, e instantáneamente es apuñalado en el cuello por Alan Passaro, uno de los “Angels”, quien no pensó en quitar el arma de las manos del joven, sino directamente se le lanzo con un cuchillo que horas después termino por quitarle la vida. En muchas ocasiones, se especulo que el joven apuntaba al escenario en donde tocaban The Rolling Stones, una buena forma de encontrar justificación en un acto de pura violencia y descontrol, pero tras varios días en la sala de edición e material pudo ser analizado con detenimiento.
En constantes ocasiones como había mencionado anteriormente, viajamos tiempo después, a ver la reacción de la banda ante el material de su película, que ahora dejaba de ser tan solo un documental de buen concierto, sino la evidencia pura de un asesinato, que ellos no habían provocado pero no habían podido hacer nada para evitarlo.
La toma del momento preciso es poco clara, sumamente obscura y el movimiento de tanta gente hace que confundamos la acción, pero tras varias vistas en cámara lenta, las cosas comienzan a tomar sentido. Minutos antes uno de los hombres más drogados del concierto aparece a menos de un metro del vocalista de la banda y nadie se da cuenta, lo cual indica que la seguridad se les había salido de las manos mucho tiempo antes, Mick Jagger continua cantando, con una voz un poco temblorosa, pero consistente, sabe que si deja de cantar y los demás dejan de tocar, la situación podría agudizarse aun mas y se desataria un caos, en donde la vida de muchos incluyendo la de ellos peligraría.
Tiempo después la cámara que se encuentra detrás del escenario manejada por Baird Bryant se convierte en el ojo espía de este gran desastre, al lado derecho , la banda, luchando por continuar, y al lado izquierdo al fondo, un grupo de personas empujándose unas contra otras, “Los Ángeles del Diablo” liberados como leones, devorando a su presa y de pronto aparece el revolver, que apunta al escenario. Tan solo unos segundos, pero lo que es claro, es que muy probablemente el joven no trataba de disparar a uno de sus ídolos de la musica, sino apuntaba a uno de los ángeles que estaba junto al escenario y que había sido visto en varia ocasiones golpeando gente, hombres y mujeres sin importar la edad. Es justo en este momento donde la película alcanza el punto más alto en tensión y en conflicto, catarsis perfecta que transforma a los personajes, unos Stones que pierden el control de su propia música, se congelan por momentos en un terreno en donde ya ni saben que ven, unos ángeles del infierno que pierden el control y adoptan la violencia más perfecta.
Apuesto a que ninguno de los creadores de esta película, o hasta los mismos Rolling Stones, pudieron creer que lejos de ser el registro de uno de sus mejores conciertos, se convertiría en la evidencia necesaria , no solo para descubrir al culpable de la muerte de uno de los asistentes, sino la demostración de que las personas en masa como todo en la vida a nivel masivo, son fuerzas tan poderosas que requieren de una vigilancia, superior a la que alguna vez llegaron a imaginar en Woodstock o el concierto de Almont. No olvidemos que el factor de que sea gratuito, permitió la entrada a cualquier tipo de persona que podía traer la droga que quisiera, ingerirla si quería, y al parecer cualquier tipo de arma, si ahora repetimos esta situación 300,000 veces nos sorprende que las cosas no hayan resultado mucho peor y que Los Rolling Stones a sus setenta años sigan completos para el deleite de todos.
Reassamblage
“Reassamblage” de Trinh T. Minh Ha
A través de los ojos de una mujer, una mirada lejana de los estereotipos y la discriminación a la vida de las mujeres en la zona rural de Senegal. Una perspectiva etnográfica que no busca cazar los rasgos distintivos de las tradiciones y de la cultura, sino el papel del sexo femenino en sociedad fuera de su lugar como ama de casa y del limitado papel que la sociedad le ha concedido.
Por primera vez, nos centramos en el objetivo como tal, viendo una imagen de la mujer nunca antes vista. Trinh T. Minh Ha pensó en lo que no se ve, en lo que no sabemos ver. Generalmente en un documental situado en una sociedad etnográfica en donde los roles están perfectamente bien limitados, buscamos toparnos con las realidades que se repiten una y otra vez en varios documentales, una sociedad machista, también primitiva que mantiene un régimen estricto implementado por anos enteros que ha mantenido la armonía de sus habitantes, pero en donde cada persona realmente no es libre , sino mas bien se apega a una estructura que facilita la convivencia en general, una fórmula que ha funcionado para ellos por anos enteros.
Pero a pesar de esta gran barrera a destruir , en donde vamos predispuestos al escenario que se nos va a presentar, Minh Ha, da un giro a la historia, toma a su personaje central, la mujer y la coloca dentro de su misma sociedad en un plano de libertad de apertura en donde por primera vez será capaz de manifestarse no bajo la personalidad que el mundo cree que tiene y las pocas cualidades que se le atribuyen , sino como ser inconfundible y vital de la vida y la existencia de su sociedad. La separa del hombre que la hace ver, como sombra de sí mismo, la coloca no como pareja sino como individuo Logra ser vista y reconocida desde el mismo nivel de donde se mira a su sexo opuesto.
La mujer no solo es madre, sino que vive para querer cuidar y educar a sus hijos. Papel bastante desprestigiado por el hombre aquí y en China, no es un deber sino un privilegio de la vida, construido solo para ella.
La mujer no solo es ama de casa, sino mantiene el orden, armonía, la estabilidad dentro de las actividades cotidianas que el hombre cree controlar con su fuerza y su irracionalidad, convirtiéndose en un único héroe de esta historia, me encantaría pensar lo que harían sin su mujer al lado. La mujer no solo es el elemento fundamental de ejemplo, identidad y moral en la vida de sus hijos, sino también la gran influencia que determinara el existir de una descendencia digna que busca la preservación de su grupo. Ese hombre cazador, señor de su Tierra, hombre de toda palabra, fue algún día hijo de una madre a quien debe mucho más de las cualidades y valores que cree.
La mujer no solo es objeto de sexualidad, sino el elemento vital a nivel físico para la existencia de la raza humana, la única capaz de dar vida a sus sucesores. La mujer no es solo mediadora, sino inteligencia sensible que trae las ideas más fantasiosas o peligrosas de otros al piso, otorgando a las palabras la capacidad de poder convertirse en realidad, actos verídicos y visibles que no solo quedan en ideas que navegan para luego desvanecer.
Me gusta este documental, me intriga y me enorgullece. Entender el papel femenino en un ambiente tan difícil, tan conservador y mejor aun poder desenterrarlo y eliminar el juicio en el espectador llevándolo solo y únicamente por ese camino, alejándolo de ver las cosas burdas, que se nos han planteado como verdades únicas, me parece un don extraordinario. Una cámara que acompaña y más que eso, que se toma el tiempo de observar a través de encuadres que aparentan no hablar en un principio, pero que poco a poco en conjunto comienzan a articular las ideas más recónditas y más bellas, que se camuflajean en la obviedad de lo cotidiano.
Es como si con cada toma, partiera el objeto y lo rearmara, descontextualizándolo de su concepto original, otorgándole un nuevo significado, que tristemente siempre ha existido por debajo de la imagen como tal y que no logramos percibir, o más bien nos conviene no percibir. La presentación del cuerpo y de la rutina, comprendidas a través de la poesía, en donde a pesar de encontrarnos frente a la imagen bajo la que siempre pensamos y juzgamos por instinto, en ningún momento podemos ver o entender otro significado más que el estado puro de su misma naturaleza. El cuerpo pierde el elemento sexual y se convierte en un modelo artístico y de admiración. La cámara contempla con gusto y con detenimiento cada movimiento, cada arruga, cada imperfección enriquecen mas a la imagen que va a detrás de la estética humana, antes que de cualquier inferencia de otro tipo.
